Avsnitt
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Wie entsteht heute ein moderner Alternative-Rock-Song – wenn eine Band nahezu alles selbst übernimmt?
In der neuen Studiosofa-Folge sind Dunja & Marc Buhr zu Gast. Gemeinsam sprechen wir über ihren Weg vom Bedroom-Pop-Projekt zur Alternative-Rock-Band LYNNE und zeigen den kompletten Entstehungsprozess ihrer Musik – von der ersten Songidee über Recording, Mixing und Mastering bis hin zu Artwork, Marketing und Release.
Besonders spannend: Wir öffnen die DAW und gehen gemeinsam durch zwei ihrer Songs. Ihr hört, wie sich „Every Summer“ entwickelt hat – ursprünglich mit einem Chorus, der heute als Verse dient – und erfahrt, welche kreativen Entscheidungen den Song zu seiner finalen Version gemacht haben.
Außerdem gibt es eine exklusive Hörprobe von „UTOPIA“ – der neuen Single, die erst einen Tag später, am Freitag, veröffentlicht wird. Noch vor dem offiziellen Release sprechen wir über die Entstehung des Songs und hören gemeinsam in die Produktion hinein.
Freut euch auf eine Folge voller Einblicke in modernes DIY-Producing, Songwriting, Recording, Mixing und Selbstvermarktung – und darauf, wie aus einer ersten Idee ein veröffentlichter Alternative-Rock-Song wird.
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Kopfhörer waren im Studio lange Zeit vor allem ein Werkzeug fürs Recording oder Kontrollhören. Heute entstehen komplette Produktionen auf ihnen – im Homestudio, unterwegs oder direkt „on the road“. Gleichzeitig wird Musik zunehmend über Kopfhörer konsumiert. Doch wie neutral muss ein Studiokopfhörer eigentlich sein? Wie wichtig sind Messwerte wirklich? Und wie lernt man, auf Kopfhörern verlässliche Entscheidungen zu treffen?
In dieser Folge spricht Marc Bohn mit Martin Stahl von Beyerdynamic über die Entwicklung moderner Studiokopfhörer – vom ergänzenden Werkzeug hin zur zentralen Abhöre moderner Produktions-Workflows.
Es geht um offene und geschlossene Bauweisen, Klangsignaturen, den legendären DT 990 Pro, Headphone Lab, Lautsprecher-Emulation und die Frage, warum gutes Hören am Ende wichtiger bleibt als jedes Datenblatt. Außerdem werfen wir einen Blick auf die Zukunft von DSP, personalisierten Abhörsystemen und mobilem Arbeiten im Audio-Bereich.
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Saknas det avsnitt?
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„Ich müsste eigentlich mehr posten …“
Diesen Gedanken kennen wahrscheinlich viele Producer, Engineers und Studioinhaber. Zwischen Sessions, Kundenprojekten, Mixing, Mastering und Studio-Alltag bleibt oft kaum Zeit für Social Media, Content und Selbstvermarktung – und irgendwann wird das Thema einfach nur noch Stress.
In dieser Podcast-Episode spricht Marc Bohn über sein neues Webinar „Erfolgreiche Selbstvermarktung für Producer & Audio Engineers“ und darüber, warum Selbstvermarktung nicht automatisch bedeutet, ständig posten oder auf jeder Plattform gleichzeitig stattfinden zu müssen.
Es geht um Zielgruppen, Plattformen, nachhaltige Content-Strategien, kreative Formate, Community-Aufbau, Zeitmanagement und die Frage, wie man die richtigen Kunden erreicht, ohne dass Selbstvermarktung zum zusätzlichen Vollzeitjob wird.
Außerdem spricht Marc über seine eigenen Erfahrungen mit dem Sounddesign-Projekt the pilot luna, den Aufbau von über 10.000 Followern innerhalb eines Jahres, Content-Workflows, KI-Tools, Automatisierung und darüber, warum authentischer Content oft wichtiger ist als perfekte Hochglanzproduktionen.
Mit vielen praxisnahen Beispielen aus dem Alltag von Producer, Studios und Creatorn – ehrlich, direkt und ohne typisches Marketing-Bla-Bla.
🎧 Webinar:
„Erfolgreiche Selbstvermarktung für Producer & Audio Engineers“
17. Juni 2026👉 Alle Infos:
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Wie entsteht eigentlich die Musik hinter großen TV-Produktionen wie The Masked Singer oder X Factor? Welche Anforderungen gelten, wenn Songs unter enormem Zeitdruck produziert, arrangiert und an unterschiedlichste Stimmen angepasst werden müssen? Und wie schafft man es, dass Musik im Fernsehen trotzdem emotional, hochwertig und relevant klingt?
In dieser Folge des Studiosofa Podcasts sprechen wir mit Philipp Rauenbusch über seinen außergewöhnlichen Weg vom Musiker und Gründungsmitglied von Reamonn hin zum Musikproduzenten und Musikredakteur für große TV-Formate.
Philipp erzählt von seinen Anfängen als Bassist in Schulbands, seinem Musikstudium, den Jahren mit Reamonn und seiner Arbeit im Tonstudio, bevor er schließlich nach Köln zog und über erste Vertretungsjobs in die Welt der TV-Shows einstieg.
Im Mittelpunkt stehen dabei Produktionen für Formate wie X Factor, All Together Now und vor allem The Masked Singer, wo Philipp seit der ersten Staffel die komplette musikalische Gestaltung verantwortet – von Songauswahl und Arrangements bis hin zu Playbacks, Produktionen und der musikalischen CI der Show.
Außerdem geht es um den Spagat zwischen Kreativität und Massenproduktion, um musikalische Entscheidungen unter Sender-Vorgaben und um die Frage, wie moderne TV-Musikproduktionen heute technisch und organisatorisch funktionieren.
Eine spannende Folge für alle, die sich für Musikproduktion, Arrangement, TV-Audio, Live-Entertainment und professionelle Produktions-Workflows interessieren.
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Dieses Mal sind wir zu Gast in den Camden Recording Studios und sprechen mit Produzent, Pianist und Studioinhaber Cian Boylan über Irish Folk Music, moderne Recording-Workflows, ungewöhnliche Taktarten wie 6/8 oder 9/8, traditionelle Instrumente und die aktuelle Studioszene in Dublin.
Cian hat unter anderem mit Ronan Keating, Sinéad O’Connor, Andrea Corr von The Corrs, Van Morrison und Gregory Porter gearbeitet und komponiert außerdem Musik für Film- und TV-Produktionen.
Außerdem nehmen wir euch am Ende der Episode noch mit auf eine kleine Tour durch die Camden Recording Studios.
Passend dazu findet ihr in der aktuellen Ausgabe 02/26 von Sound & Recording eine ausführliche Studio-Story mit vielen Bildern und weiteren Eindrücken aus Dublin.
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Im zweiten Teil unserer Tour durch die legendären Windmill Lane Recording Studios in Dublin betreten wir die großen Regieräume und Live-Rooms des Studios. Mitinhaber Tony Perrey spricht über Orchesteraufnahmen, legendäre Sessions mit U2, den Rolling Stones oder Bruce Springsteen und darüber, warum große Recording-Studios trotz moderner In-the-Box-Produktionen bis heute eine besondere Rolle spielen.
Außerdem geht es um analoge Konsolen, die besondere Akustik der Räume, Studiokultur und die tägliche Realität hinter einem der bekanntesten Recording-Studios Europas.
Passend zur Episode findet ihr in der Ausgabe 01/26 des Sound & Recording Magazins einen ausführlichen Artikel über die Windmill Lane Recording Studios – inklusive Bilder, Hintergründe und weiterer Eindrücke aus Dublin.
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In der neuen Podcast-Episode von „Drei Fragen an“ spricht Christoph Aßmann über Layering, moderne Keyboard-Sounds und die Frage, warum ein einzelnes Piano heute oft nicht mehr ausreicht, um einen Song wirklich groß, emotional und zeitgemäß klingen zu lassen.
Es geht um:
• moderne Popschlager-Sounds
• Layering-Techniken für mehr Druck und Tiefe
• Synthesizer wie Nexus & Serum
• Dynamik zwischen ruhigen Verses und großen Chorussen
• kreative Arrangements für mehr Emotion und SpannungChristoph gibt dabei spannende Einblicke in seine Arbeitsweise aus Produktionen für Giovanni Zarrella, Florian Silbereisen und viele weitere Artists.
Und wer noch tiefer einsteigen möchte:
Am 27. Mai zeigt Christoph im Sound&Recording-Webinar praxisnah direkt in der Session, wie moderne Keyboard-Arrangements aufgebaut werden – inklusive konkreter Sounds, Layering-Techniken und Workflow-Tipps.🎟 Mit dem Gutscheincode WEBINAR10 spart ihr zusätzlich 10 € auf alle Webinare.
Alle Infos unter:
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Wie entsteht moderne Ambient- und Chill-Out-Musik zwischen Hardware-Synthesizern, emotionalem Sounddesign und immersivem Dolby-Atmos-Mixing?
In dieser Episode des Studiosofa Podcasts sprechen wir mit Thomas Lemmer über seinen musikalischen Weg vom klassischen Klavierunterricht und der Kirchenorgel bis hin zu internationalen Ambient- und Chill-Out-Produktionen. Gemeinsam tauchen wir tief in die Entstehung seines neuen Albums DREAMSCAPES II ein und sprechen über kreative Workflows, Lieblings-Synthesizer, Arrangement in ruhiger Musik, Mixing, Mastering und die besondere Rolle von Hardware-Instrumenten im Produktionsprozess.
Außerdem hören wir gemeinsam in Songs wie „A Sky of Light, A Symphony Unfolding“, „White Room“ und „Forever“ hinein und analysieren, wie Atmosphäre, Raum und Emotion in moderner Ambient-Musik entstehen.
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Die Windmill Lane Recording Studios in Dublin gehören zu den legendärsten Studios Europas. Hier entstanden Produktionen von U2, den Rolling Stones, den Cranberries, Hozier, Ed Sheeran und vielen weiteren Künstlern. In dieser Episode führt uns Mitinhaber Tony Perrey durch die Geschichte des Hauses und gibt Einblicke in den Alltag eines großen Recording-Studios.
Im ersten Teil sprechen wir über die Entstehung von Windmill Lane, berühmte Produktionen, analoge Konsolen, die Rolle großer Studios im modernen Musikbetrieb und das angeschlossene College, in dem die nächste Generation von Audio Engineers ausgebildet wird.
Ein Gespräch über Studiokultur, Technik und die besondere Atmosphäre eines Ortes, an dem seit Jahrzehnten Musikgeschichte entsteht.
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In dieser Episode des Studiosofa Podcasts sprechen wir mit Xavier Presser von AIM Audio über die Entwicklung von Studiomikrofonen – von der ersten Idee bis zur Endmontage in Berlin.
Xavier erzählt von seinem Weg vom Elektronik-Ingenieur über das Produktmanagement im Gaming-Bereich bis hin zur Mikrofonentwicklung bei AIM Audio. Gemeinsam tauchen wir tief in Themen wie Kapselauswahl, Qualitätskontrolle, Akustik, internationale Entwicklungsprozesse und die klanglichen Unterschiede zwischen übertragerlosen und übertragerbasierten Mikrofonen ein.
Außerdem sprechen wir darüber, wie subjektiv Mikrofonklang wirklich ist, warum Referenzhören über Lautsprecher und Kopfhörer so wichtig ist und welche Herausforderungen entstehen, wenn man Studiomikrofone heute wieder in Berlin produzieren möchte.
🎙️ Zusätzlich verlosen wir gemeinsam mit AIM Audio ein AIM Audio Essence Mikrofon.
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In dieser Folge spricht Host Waldemar Vogel wir mit Mixing Engineer Clemens Matznick über einen der wichtigsten – und oft unterschätzten – Faktoren im Mixing: den Workflow.
Warum verlieren sich viele Mixe in Details? Wieso führen mehr Tools nicht automatisch zu besseren Ergebnissen? Und wie schaffst du es, Klarheit, Struktur und Emotion in deinem Mix wirklich zusammenzubringen?
👉 Wenn du tiefer einsteigen willst: Am 05. Mai um 19:30 Uhr gibt Clemens ein Live-Webinar zum Thema „Workflow für bessere Mixe“ – inklusive Q&A.
Alle Infos: www.soundandrecording-magazin.de/webinare
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Was passiert, wenn man sich nicht zwischen Studio und Live entscheiden will – sondern beides konsequent miteinander verbindet?
In dieser Episode des Studiosofa Podcasts sprechen wir mit Drazen Matuzovic über seinen Weg vom DIY-Musiker zum professionellen Audio Engineer. Vom Home-Recording für die eigenen Bands über die Ausbildung an der SET bis hin zur radikalen Entscheidung, den sicheren Job im Sozialbereich hinter sich zu lassen und vollständig in die Audiowelt einzusteigen.
Heute arbeitet Drazen nicht nur in seinem eigenen Studio, sondern ist auch hauptverantwortlich für die Audiotechnik am Alter Schlachthof Wels und betreut Bands live und im Studio.
Wir sprechen über:
– den Schritt in die Selbstständigkeit
– warum Live-Erfahrung dein Studio-Game verändert
– den bewussten Einsatz von analogem Equipment wie Bandmaschine und Pult
– und wie man sich zwischen Punk-Attitüde, Pop-Produktionen und eigener Handschrift positioniertSound&Recording-Magazin | Studiosofa Podcast
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Warum sollen Musiker heute überhaupt noch ins Studio gehen?
In Zeiten von Home Recording, DIY-Produktionen und KI-Tools scheint die Antwort auf den ersten Blick klar: Eigentlich braucht es das klassische Studio nicht mehr. Und trotzdem entscheiden sich viele Bands ganz bewusst dafür, genau diesen Weg zu gehen.In der neuen Episode vom Studiosofa Podcast sprechen wir mit Vincent Klein, Audio Engineer und Betreiber des Tonstudios Revolutionary Sounds, über genau diese Frage. Vincent kennt beide Welten: die präzise Arbeit im Synchronstudio beim Saarländischen Rundfunk und die tägliche Praxis mit Bands und Künstlern im eigenen Studio. Zwischen Fader-Arbeit, Raumkonzepten und echten Performances geht es um weit mehr als Technik.
Wir sprechen darüber, warum Bands heute vieles selbst machen – und warum sie trotzdem ins Studio gehen. Welche Rolle spielt ein professioneller Raum für Entscheidungen, Energie und Fokus? Was verändert sich durch KI und neue Produktionsmöglichkeiten? Und was bleibt am Ende unersetzlich?
Eine ehrliche Folge über den Wert von Studios im Jahr 2026 – zwischen Realität, Leidenschaft und dem Wunsch, Musik wirklich festzuhalten.
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Was macht den Unterschied zwischen einem guten Mix und einem Master, das im Club, auf Spotify und auf Vinyl gleichermaßen überzeugt? In dieser kurzen Podcast-Episode sprechen wir mit Roy Recklies über genau diese entscheidenden Punkte – praxisnah, direkt aus dem Alltag eines Engineers, der u. a. mit Robin Schulz arbeitet.
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Im zweiten Teil gehen wir der Frage weiter nach: Was macht Synthesizer zur Legende – und wo hört man den Unterschied wirklich?
Wir vergleichen Hardware und Software direkt miteinander:
Korg PS-3300 (Original vs. Plug-in), Elka Synthex Stereo-Architektur, Minimoog-Charakter, Juno-60-Chorus und die Modulationsmatrix des Oberheim Matrix 12.Es geht um Feedback-Schaltungen, analoge Nichtlinearitäten, Stereo-Breite, MIDI-Integration und die physikalischen Grenzen digitaler Simulation.
Ein technischer, aber musikalischer Deep Dive für Produzenten, Sounddesigner und alle, die Synthesizer nicht als Preset-Maschinen, sondern als Instrumente verstehen.
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Wie wichtig ist Raumakustik wirklich – und warum bringt dich dein Studio beim Mixing manchmal in die Irre?
In dieser Episode sprechen wir mit Lukas Rimbach und Paul Linke von GIK Acoustics über die größten Missverständnisse rund um Raumakustik, typische Probleme in Home- und Projektstudios und darüber, wie man sie praxisnah in den Griff bekommt.
In „3 Fragen an…“ bekommst du einen kompakten Einblick in die wichtigsten Themen der Raumakustik für Tonstudios.
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Was macht Synthesizer zur Legende? Warum klingt ein Minimoog bis heute anders als seine Software-Emulation? Weshalb hat der Juno 60 einen Sweet Spot, der sich nicht programmieren lässt? Und warum ist der Yamaha CS-80 eher ein Performance-Instrument als ein klassischer Synth?
In Teil 1 unseres Gesprächs mit Michael Soltau (Filmmusik u. a. Notruf Hafenkante) und Stephan Bobinger vom Synthesizer Studio Berlin geht es um analoge Synthesizer als echte Instrumente. Wir sprechen über Haptik, subtraktive Synthese, musikalische Entscheidungsprozesse und darüber, warum Hardware das Denken verändert.
Mit dabei: Minimoog, Juno 60, Oberheim Matrix 12 und Korg PS-3300 – und die Frage, warum manche Instrumente Jahrzehnte überdauern.
Teil 2 mit direkten Hardware-vs.-Software-Klangvergleichen erscheint in der nächsten Folge!
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Vom Allrounder zum Spezialisten – und warum genau das der Schlüssel zu einem erfolgreichen Studio sein kann.
In dieser Episode sprechen wir mit Andreas Mayer vom Audiobloom Studio darüber, wie er den Schritt vom Vollzeitlehrer in die Selbstständigkeit gewagt hat – und warum es nicht gereicht hat, einfach „alles anzubieten“. Stattdessen hat er sein Studio konsequent neu ausgerichtet: weg vom Bauchladen, hin zu einer klaren künstlerischen Vision.
Heute produziert Andreas vor allem Singer/Songwriter im Bereich Akustik-Pop und Folk – und begleitet sie vom ersten Songwriting bis zur fertigen, release-bereiten Produktion. Dabei geht es nicht nur um Recording und Mixing, sondern um ein ganzheitliches Erlebnis: Künstler reisen an, leben für ein paar Tage im Studio und arbeiten gemeinsam mit eingespielten Session-Musikern an ihren Songs.
Wir sprechen über den Weg dahin, die Rolle von Spezialisierung, den Aufbau eines funktionierenden Netzwerks – und warum Erfolg im Studio nichts ist, das einem einfach zufällt.
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Warum klingen viele Produktionen trotz viel Aufwand immer noch wie Demos – und was unterscheidet sie wirklich von Songs, die auf internationalem Level funktionieren?
Genau darüber spreche ich heute mit Dom Rivinius, der unter anderem an Songs für Taylor Swift, Eminem und Alicia Keys gearbeitet hat.
Wir gehen drei zentrale Fragen durch, die dir helfen zu verstehen, wie du deine eigenen Songs auf ein kommerzielles Level bringen kannst.
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Was macht einen Synthesizer heute wirklich zeitgemäß? Reicht Klang – oder entscheidet längst das Interface? In dieser Episode sprechen Steve Baltes, Michael Menze und Klaus Baetz darüber, was moderne Synthesizer neu macht: warum Bedienbarkeit zur Königsdisziplin geworden ist, wie Arturia historische Klassiker in ein funktionierendes Produktions-Ökosystem übersetzt und weshalb der ASM Leviasynth algorithmische Synthese neu definiert.
Es geht um Legenden wie Jupiter-8 und DX7, um Emulation versus Original – und um die Frage, wann ein Instrument nicht nur funktioniert, sondern inspiriert.
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