Avsnitt
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César Augusto Herrera Hernández, conocido como "El Clásico Herrera" es nuestro invitado a esta entrega de Somos Canciones.
El Clásico es una figura emblemática de la radio en Medellín, con una trayectoria de casi cuatro décadas dedicada a la difusión de música clásica del rock y pop de los años 70, 80 y 90. Su pasión por la radio y la música fue influenciada por su padre, un artista plástico y melómano, quien inculcó en él el amor por los vinilos y las emisoras radiales desde temprana edad.
Herrera comenzó su carrera en Todelar Estéreo, donde se destacó por su conocimiento musical y carisma, ganándose el apodo de "El Clásico" por su dedicación a los éxitos atemporales. Junto a Tuto Castro, creó el programa "Los 40 Clásicos de la Semana", que se convirtió en un referente para los amantes de los clásicos en Medellín.
Actualmente, Herrera es director de La FM en Medellín, una emisora que ha logrado posicionarse como líder en su formato, gracias a su posicionamiento en el concepto de los clásicos y la conexión generada por las fiestas con oyentes. A pesar de las presiones del mercado y las tendencias musicales dominantes, ha mantenido su compromiso con el rock y el pop de décadas anteriores, resistiendo la influencia del reguetón y otros géneros comerciales.
Aunque el clásico valora las herramientas digitales actuales, siente nostalgia por la época en que la búsqueda de nueva música requería esfuerzo y dedicación, lo que confería una magia especial a la radio.
Para Herrera, la radio es más que una profesión; es una forma de vida y una pasión que comparte con su audiencia. A pesar de los desafíos y sacrificios personales, como el tiempo limitado con la familia, considera que cada día en la radio es una oportunidad para aprender y conectar con las personas.
En este episodio el clásico Herrera nos cuenta:
Cómo se empezó a interesar por la música.Cómo la lonchera de su hermano lo metió en la radioSu posicionamiento como el hombre de los clásicosSu comienzo en las fiestas en vivoLa importancia del DJ en el intro de las cancionesSus géneros preferidosY mucho más...
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Playlist del Clásico
https://open.spotify.com/playlist/1bK2U8JDbm9b4Pw5wJMTOv?si=0ZeQZ1OWSaS494SKPkiPaw&pi=7VzeydnfRniCQ
https://open.spotify.com/playlist/3pA8vtAKyBOtaROXPGoLHd?si=8YPCFYYMSWuHoXRH8SuMaQ&pi=7ilyxlZFQPOdm
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El invitado a este episodio es Andrés Guillermo Marocco Díaz (Bucaramanga, Colombia, 12 de septiembre de 1970).
Marocco y yo fuimos compañeros en RadioActiva. El en Bucaramanga y yo en Medellín.
Con el tiempo se convirtió en un reconocido periodista y comentarista deportivo colombiano. Actualmente, forma parte del equipo de ESPN, donde participa en programas como Balón Dividido, Hablemos de Fútbol y ocasionalmente en SportsCenter, compartiendo pantalla con colegas como Víctor Romero, Jorge "El Patrón" Bermúdez y Gastón Pezzuti.
Formación y Trayectoria
Marocco es Comunicador Social egresado de la Universidad Javeriana de Bogotá. Inició su carrera en la radio como discjockey en emisoras como 88.9 y 40 Principales. Posteriormente, fue director de Radioactiva Bucaramanga. También hizo parte del proyecto Radiomercadeo de Caracol. En Caracol Radio, creó y dirigió el programa El Alargue, y en Bogotá, lideró Estadio W.
En televisión, participó en programas como Dementes Deportivas en City TV, Pelotas en Canal 13 y La Telepolémica en Canal Uno.
Carrera en ESPN
En 2009, Marocco se unió a ESPN, convirtiéndose en uno de los primeros periodistas colombianos en ser contratados por la cadena para su sede en Buenos Aires. Debutó en el programa Hablemos de Fútbol el 27 de marzo de ese año. Su estilo y experiencia en programas como El Alargue fueron determinantes para su incorporación.
En este episodio hay mucho fútbol y música.
Un par de serenatas que no resultaron (quien dio la serenata es famoso)Cómo se mantuvo en el periodismo deportivo en ArgentinaLo que le dijo Maradona cuando lo conocióEl instrumento que está tocandoLa música y el rock de BucaramangaSus inicios en la radioSu recorrido entre la radio musical, el formato de radio mercadeo y el comentario deportivoEscucha esta playlist: Clase del 93 #ComPUJ
https://open.spotify.com/playlist/7hdWX4c6sm6SAA2uyBEWQj?si=llbFD5E-RK6sjlGHJYVSMg&pi=SOjfmOOzRFqbi
Escucha esta playlist: Para salir a la cancha . Vamos leopardo!
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Escucha esta playlist: Rock y pop en español
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Escucha esta playlist: Oldies
https://open.spotify.com/playlist/6phZ6fs9PH7IfEpMLrUumk?si=ECmnm5ZfT8eton1XEuDM6A&pi=BGTOz4V1Snajv
Escucha esta playlist: salsa
https://open.spotify.com/playlist/1UKGiU3m5vkeCkbXXhRr1E?si=LySxiPyiQ6-nHkA1H9VRxA&pi=_qX03ThkSa-Bu
#AndrésMarocco, #ESPN, #Radioacktiva, #88.9, #ElZoologico, #RockAndGol, #Caracol, #Fútbol, #AtléticoBucaramanga, #Stress, #JoséA.Morales, #Rasguño, #YerbaBrava, #Jauregui, #Callejeros, #La cumbiadelostrapos, #BobDylan, #RickSpringfield, #VanHalen, #SammyHagar, #MichaelJackson, #BillieJean, #GustavoCerati, #MiguelMateos,...
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Las mujeres ya no lloran world Tour - Comentario sobre show Shakira
Somos Canciones
Un comentario de lo que viví el 13 de abril de 2025 en Medellín en el concierto de Shakira de su gira " Las mujeres ya no lloran"
La gira mundial de Shakira, titulada "Las Mujeres Ya No Lloran World Tour", ha sido un fenómeno tanto musical como económico en 2025. Inspirada en su álbum homónimo, la gira ha recorrido América Latina con una propuesta escénica que fusiona pop, rock, bachata y electrónica, destacando por su mensaje de empoderamiento femenino.
En Colombia, los conciertos en Barranquilla y Bogotá congregaron a más de 170.000 asistentes y generaron un impacto económico superior a los 52 millones de dólares, beneficiando sectores como turismo, hotelería y comercio, y creando más de 18.000 empleos directos e indirectos. citeturn0search0
Artísticamente, Shakira ofreció un espectáculo de dos horas y media, interpretando éxitos como "Pies Descalzos", "Antología", "Te Felicito" y "Bzrp Music Sessions Vol. 53". Momentos emotivos incluyeron la interpretación de "Acróstico", acompañada por imágenes de sus hijos, y "Última", donde transformó su dolor en arte. citeturn0search1
La gira ha sido reconocida como la más exitosa del año, con más de dos millones de entradas vendidas en 66 shows y una recaudación que supera los 6 millones de euros solo en marzo. Shakira ha sido nombrada por Billboard como "la artista femenina de pop latino más grande de todos los tiempos". citeturn0news12
"Las Mujeres Ya No Lloran World Tour" no solo ha reafirmado el talento de Shakira, sino que también ha consolidado su papel como ícono cultural y empresarial, demostrando que, efectivamente, las mujeres ya no lloran, las mujeres facturan.
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La música electrónica que no se baila – Alejandro del Castillo
Somos Canciones es una producción de https://www.milpalabras.com.co
Conduce: Santiago Ríos
La música electrónica tiene sus raíces en las primeras décadas del siglo XX, desarrollándose paralelamente a los avances tecnológicos y a las transformaciones culturales que siguieron a la Primera Guerra Mundial.
En 1913, el futurista italiano Luigi Russolo publicó “El arte de los ruidos”, proponiendo una nueva estética musical que incorporaba sonidos industriales y mecánicos. Aunque no utilizaba tecnología electrónica, esta visión sentó las bases para futuras exploraciones sonoras.
La invención del theremin por Léon Theremin en 1920 marcó un hito, siendo uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos. En los años 30, la creación del órgano Hammond y el desarrollo de la cinta magnética por AEG y BASF en 1935 facilitaron nuevas formas de grabación y manipulación sonora.
Tras la Segunda Guerra Mundial, surgieron estudios dedicados a la experimentación electrónica. En 1948, Pierre Schaeffer introdujo la "música concreta" en París, utilizando grabaciones de sonidos reales manipulados en cinta. Simultáneamente, en Alemania, Werner Meyer-Eppler acuñó el término "música electrónica", promoviendo la creación de sonidos puramente electrónicos.
La década de 1950 vio el establecimiento de estudios pioneros como el de la WDR en Colonia, donde Herbert Eimert y Karlheinz Stockhausen exploraron nuevas técnicas compositivas. En Japón, el colectivo Jikken Kōbō, apoyado por Sony, experimentó con magnetófonos para crear música electrónica.
En los años 60, la invención del sintetizador Moog por Robert Moog revolucionó la música electrónica, permitiendo una mayor variedad de sonidos. Artistas como Wendy Carlos y bandas como Kraftwerk incorporaron estos instrumentos, dando origen a géneros como el techno y el ambient.
El synth-pop emergió a finales de los años 70 y principios de los 80, caracterizándose por el uso prominente de sintetizadores y cajas de ritmos. Bandas como Human League, OMD, Depeche Mode, Soft Cell y New Order fueron pioneras en este género, fusionando melodías pop con sonidos electrónicos para crear una estética sonora distintiva.
Este estilo no solo influyó en la música, sino también en la moda y la cultura visual de la época, apalancándose en la explosión de los video clips y el canal MTV.
Por otro lado, la música electrónica de baile (EDM) es un conjunto de géneros orientados principalmente al baile, que incluye estilos como house, techno, trance, dubstep y otros. Surgió en los años 70 y 80 como una fusión de distintos estilos musicales, principalmente el disco, el house y el techno.
La música electrónica con todas sus vertientes ha evolucionado continuamente, dando lugar a una amplia variedad de estilos y subgéneros que reflejan la interacción entre tecnología, arte y cultura.
No toda la electrónica es rumba
De eso nos habla nuestro invitado Alejandro del Castillo – Conejo Blanco-, un verdadero cultor de la electrónica quien solía ser DJ en fiestas y bares pero que cambió su enfoque, tocando electrónica que no se baila.
En este episodio nos habla de Ambient, de Bowie, de la evolución de la electrónica, de Alicia en el país de las maravillas, entre muchas otras de sus pasiones
Electrónica recomendada por Alejandro del Castillo:
Colección Krautrock
https://www.mixcloud.com/DjGaRaGeFUNK/año-cero-the-krautrock-colletion-castells-art-dj-set/
Tributo a los pioneros de -
FEP 2025 - Alejandro Marín, Javier Rodríguez, Santiago Ríos
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Conduce: Santiago Ríos
El Festival Estéreo Picnic (FEP) es uno de los eventos musicales más destacados de Colombia y América Latina. Inició en 2010 como una iniciativa conjunta de las empresas promotoras T310 y Absent Papa, con el objetivo de ofrecer una experiencia similar a festivales internacionales como Lollapalooza y Glastonbury. La primera edición contó con artistas como Bomba Estéreo, Superlitio y Matisyahu, aunque la asistencia no superó los 3.000 espectadores.
Durante sus primeras tres ediciones, el FEP enfrentó pérdidas económicas y una baja asistencia. Sin embargo, en 2013, los organizadores adoptaron un nuevo enfoque, ampliando el festival a varios días y combinando la música con experiencias adicionales como zonas de comida, áreas de camping y espacios comerciales con productos colombianos.
Este cambio de estrategia permitió al FEP posicionarse al nivel de festivales internacionales y aumentar significativamente su asistencia.
A lo largo de los años, el FEP ha contado con la participación de reconocidos artistas internacionales y locales, consolidándose como una parada obligada en el circuito de festivales de la región.
En 2022, fue reconocido por la revista Billboard como uno de los 50 mejores festivales del mundo, ocupando el puesto 32 y siendo denominado el "Lollapalooza de Bogotá".
La edición de 2025 del Festival Estéreo Picnic se llevará a cabo del 27 al 30 de marzo en el Parque Simón Bolívar de Bogotá. El cartel incluye a artistas de renombre como Olivia Rodrigo, Justin Timberlake, Alanis Morissette y Beck, entre otros.
Con más de 70 bandas en cuatro escenarios, el FEP 2025 promete ser una experiencia inolvidable para los amantes de la música en vivo.
En este episodio conversamos sobre el line up del FEP 2025 con los expertos Alejandro Marín, Director de La X 103.9 y con Javier Rodríguez productor musical de 95.9 Cámara FM
Es un gran abrebocas para entender lo que nos espera en el Estéreo Picnic 2025, los 4 días musicales más hermosos del año.
#EstéreoPicnic2025, FEP2025, #AlejandroMarín, #JavierRodríguez, #ShawnMendes, #AlanisMorissette, #BensonBoone, #FosterThePeople, #Zeed, #TateMcrae, #TheMarías, #TeddySwims, #Kavinsky, #JustinTimberlak, #Tool, #Incubus, #Parcels, #DannyOcean, #TheHives, #RichieHawtin, #MichaelKiwanuka, #Beck, #Justice, #Astropical, #BombaEstéreo, #Rawayana, #CharlottedeWithe, #St.Vincent, #NathyPeluso, #OliviaRodrigo, #RufusDuSol, #EmpireoftheSun, #MonLaferte, #FontainesD.C, #Caribou, #SomosCanciones, #Música
Algunas playlist de los artistas del FEP 2025
Jueves: https://open.spotify.com/playlist/5xAopXVW769G3aC0sULSFx?si=792024befc914caf
Viernes: https://open.spotify.com/playlist/3h6poi3xNjXw2GXUhizgQj?si=c20e0f6e6b4d4852
Sábado: https://open.spotify.com/playlist/6wYu9xPERIwuNMcwwCSjNh?si=49afb700e5bc49c1
Domingo: https://open.spotify.com/playlist/58TiPC0G64sgLYdxYQNCth?si=8a9d62fedc624d1b
Escucha el Top 100 de Santiago Ríos: -
Con su música a otra parte - Nicolás Samper
Somos Canciones es una producción de https://www.milpalabras.com.co
Conduce: Santiago Ríos
En esta entrega nuestro invitado es el cronista deportivo Nicolás Samper, quien además es un apasionado por la música.
Hablaremos de esa constante fusión entre fútbol y música.
Nicolás Samper Camargo, nacido el 28 de diciembre de 1976 en Bogotá, es un destacado periodista colombiano conocido por su trabajo en medios radiales, televisivos y escritos.
Actualmente, participa en RCN Radio en el programa deportivo “En la Jugada”, en LA FM en “Los Originales” y en televisión en “F90” de ESPN. Además, escribe columnas de opinión para el portal Futbolred y ha colaborado con publicaciones como Esquire, Soho, Gente, Publimetro, Shock, Semana, Diario Deportivo y El País de España.
En 2018, Samper publicó su primer libro en solitario, “Lo que el fútbol se llevó”, donde recopila historias curiosas y extrañas de los mundiales de fútbol. En 2024, lanzó “El sueño del Tigre”, una obra dedicada a la vida y trayectoria del delantero colombiano Radamel Falcao García.
Su estilo se caracteriza por una combinación de humor, cultura y pasión por el fútbol, lo que lo ha posicionado como una figura influyente en el periodismo deportivo colombiano. Es reconocido por su amplio conocimiento en diversas áreas, incluyendo la música rock y la literatura, lo que enriquece sus análisis y comentarios deportivos.
Los cánticos del fútbol
Son muchas las barras en el mundo que toman prestadas canciones para animar a sus equipos. Aquí mencionamos algunas de ellas:
A continuación, cinco ejemplos de barras de fútbol alrededor del mundo y las canciones que entonan para alentar a sus equipos:
Liverpool FC (Inglaterra): La afición del Liverpool canta "You'll Never Walk Alone", compuesta por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II en 1945 para el musical "Carousel". Esta canción también la cantan los hinchas del Borusia Dormunt de Alemania.
Club Atlético Boca Juniors (Argentina): Los hinchas de Boca Juniors adaptaron "Moliendo Café", canción compuesta por el venezolano José Manzo Perroni en 1958, transformándola en el cántico "Dale Boca".
Club Atlético River Plate (Argentina): La barra de River Plate canta "La Cumbia de los Trapos", interpretada por Yerba Brava y lanzada en el año 2000.
Selección Italiana de Fútbol: Durante el Mundial de 2006, los aficionados italianos popularizaron el riff de "Seven Nation Army", canción de The White Stripes lanzada en 2003, coreando "Po po po po po pooo". Por años, este himno de batalla ha sido acogido prácticamente por todas las barras de las selecciones europeas.
#NicolásSamper, #SomosCanciones, #SantiagoRíos, #SevenNationArmy, #TheWhiteStripes, #YerbaBrava, #LaCumbiadelosTrapos, #You'llNeverWalkAlone, #JoséManzoPerroni, #MoliendoCafé, #RichardRodgers, #OscarHammerstein, #RCNRadio, #LaFM, #Esquire, #Soho, #Gente, #Publimetro, #Shock, #Semana, #DiarioDeportivo, #ElPaísdeEspaña
Playlist recomendado por Nicolás Samper https://open.spotify.com/playlist/52zJsh3U1f9gw5q4B1Y4YS?si=4etZtm19TaW3UkI-nN1M-g&pi=GPVVT_VoRl-Zs
Escucha el Top 100 de Santiago Ríos:
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Medellín destino sonoro - Ana María Zuluaga
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Conduce: Santiago Ríos
En este episodio hablamos con Ana María Zuluaga cofundadora del programa Medellín Destino Sonoro.
En esta conversación exploramos las hipótesis que han llevado a que Medellín se convierta en un destino turístico musical atractivo: coleccionistas, industria, estudios y nichos apasionados.
Antes una breve reseña de algunas ciudades que son destinos musicales interesantes para los amantes de la música.
1. Nueva Orleans, Estados Unidos: La Cuna del Jazz
Ubicada en el estado de Luisiana, esta ciudad vibra con ritmos contagiosos que se escuchan en cada esquina, especialmente en el histórico Barrio Francés.
Uno de los tours más destacados es el "New Orleans Jazz Tour", que lleva a los visitantes por lugares emblemáticos como Congo Square, donde los esclavos africanos se reunían para tocar música en el siglo XIX. El recorrido incluye visitas a clubes de jazz legendarios como el Preservation Hall, famoso por sus íntimas presentaciones en vivo. Además, los participantes pueden explorar el Museo del Jazz de Nueva Orleans, que alberga una extensa colección de instrumentos y artefactos históricos.
Para una experiencia más inmersiva, el "Steamboat Natchez Jazz Cruise" ofrece un paseo en un auténtico barco de vapor por el río Misisipi, acompañado de música jazz en vivo y vistas panorámicas de la ciudad.
2. Berlín, Alemania: El Epicentro de la Música Electrónica
Berlín ha sido, desde la caída del Muro, un hervidero de creatividad y libertad artística, consolidándose como la capital mundial de la música electrónica. La ciudad alberga una vibrante escena de clubes y festivales que atraen a entusiastas de todo el mundo.
El "Berlin Techno Tour" es ideal para quienes desean conocer la historia y evolución de la música electrónica en la ciudad. Este recorrido incluye visitas a clubes icónicos como Berghain, considerado uno de los mejores del mundo, y Tresor, pionero en la escena techno berlinesa. Los guías comparten anécdotas sobre la cultura underground y cómo la música electrónica se convirtió en un símbolo de la reunificación alemana.
Además, el tour ofrece la oportunidad de visitar estudios de grabación y tiendas de vinilos especializadas, donde los visitantes pueden interactuar con DJs y productores locales, obteniendo una visión profunda de la producción musical electrónica.
3. La Habana, Cuba: Ritmos Caribeños y Tradición Musical
La Habana es el corazón palpitante de la música cubana, donde géneros como el son, la salsa y el mambo llenan el aire con sus ritmos alegres. La ciudad ofrece una experiencia auténtica para quienes desean sumergirse en su rica tradición musical.
El "Havana Music Tour" lleva a los visitantes por lugares emblemáticos como el Cabaret Tropicana, famoso por sus espectáculos al aire libre que combinan música y danza. El recorrido también incluye una visita a La Casa de la Música, donde se puede disfrutar de presentaciones en vivo de reconocidas bandas locales en un ambiente íntimo.
Para quienes desean una experiencia más interactiva, el tour ofrece clases de baile y percusión, permitiendo a los participantes aprender los pasos básicos de la salsa o tocar instrumentos tradicionales bajo la guía de músicos profesionales. Además, se organizan visitas a estudios de grabación históricos, donde legendarios artistas cubanos han inmortalizado sus obras.
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El ritmo del fútbol - Alejandro Pino
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Conduce: Santiago Ríos
La Conexión Entre el Fútbol y la Música: Jugadores y Músicos Unidos por la Pasión.
El fútbol y la música son dos formas de expresión cultural que han estado entrelazadas a lo largo de la historia. Muchos futbolistas han mostrado un fuerte vínculo con la música, ya sea componiendo, interpretando o simplemente mostrándose como apasionados melómanos.
Por otro lado, varios músicos han expresado su amor por el fútbol, llegando incluso a vincularse con equipos o jugar de manera semiprofesional.
Futbolistas con una fuerte relación con la música:
Pelé – Cantante y compositor
El legendario futbolista brasileño Edson Arantes do Nascimento, más conocido como Pelé, no solo brilló en el campo, sino que también incursionó en la música. Compuso y grabó varias canciones a lo largo de su vida, incluyendo un álbum con el reconocido músico brasileño Gilberto Gil en 2006.
Johan Cruyff – Fanático de la música catalana
El holandés Johan Cruyff, una de las figuras más icónicas del fútbol, tenía una gran conexión con la música. Durante su paso por el FC Barcelona, mostró su admiración por la música catalana y llegó a participar en eventos culturales relacionados con la escena musical de la región.
Daniel Alves – Músico y cantante
El futbolista brasileño Dani Alves ha demostrado su amor por la música en numerosas ocasiones. Además de tocar la guitarra y cantar, ha lanzado canciones propias, mostrando su faceta artística en redes sociales y en eventos especiales.
Sergio Ramos – Flamenco y reguetón
El exjugador del Real Madrid ha expresado en múltiples ocasiones su pasión por la música flamenca y ha colaborado con artistas como Demarco Flamenco. Incluso lanzó la canción *Otra estrella en tu corazón* para celebrar la victoria de España en la Eurocopa 2016.
Juan Fernando Quintero – cantante urbano
El jugador de la Selección Colombia ha participado en algunas producciones musicales, incluyendo los coros de la famosa canción “el ritmo que nos une”, himno del equipo nacional en la Copa América 2024.
Músicos apasionados por el fútbol:
Rod Stewart – Futbolista frustrado
Antes de convertirse en una estrella del rock, el británico Rod Stewart soñaba con ser futbolista profesional. Jugó en equipos juveniles y hasta fue probado en el Brentford FC. Aunque terminó dedicándose a la música, su amor por el fútbol sigue siendo evidente, y es un fiel seguidor del Celtic de Escocia.
Bob Marley – Futbolista de alma
El ícono del reggae, Bob Marley, era un apasionado del fútbol. Siempre llevaba un balón consigo y organizaba partidos donde fuera que estuviera de gira. Se dice que su amor por el fútbol era tan fuerte como su amor por la música.
Julio Iglesias – De portero a estrella musical
Antes de convertirse en uno de los cantantes más exitosos de habla hispana, Julio Iglesias fue portero del equipo juvenil del Real Madrid. Una lesión en la espalda lo alejó del fútbol y lo llevó a descubrir su talento musical.
El fútbol y la música comparten una esencia de pasión, energía y emoción que los une de manera natural.
Vamos a hablar en este episodio con un periodista deportivo que comparte esas 2 pasiones, la música y el fútbol. Hablo de Alejandro Pino.
Alejandro Pino Calad, nacido el 4 de diciembre de 1979 en Bogotá, es un destacado periodista deportivo colombiano. Graduado en Comunicación Social y Periodismo por la Pontificia Universidad Javeriana, donde también obtuvo una maestría en Estudios... -
El club del jazz - Christian Salgado
Somos Canciones es una producción de https://www.milpalabras.com.co
Conduce: Santiago Ríos
En el vibrante panorama cultural de Medellín, "El Club del Jazz" se erige como un faro para los amantes de este género. Fundado el 23 de julio de 2011 por Christian Salgado B., este espacio nació con la misión de difundir el jazz y crear un puente entre los músicos y el público. Desde su inauguración, ha ofrecido una programación diversa que incluye charlas, tertulias, conciertos didácticos, sesiones de improvisación y talleres de apreciación musical.
El Club del Jazz se ha consolidado como un punto de encuentro esencial para la comunidad jazzística de Medellín. Ubicado en el corazón de la ciudad, este centro cultural sin ánimo de lucro ofrece una atmósfera íntima y acogedora que evoca la esencia de los clubes de jazz tradicionales. Los asistentes pueden disfrutar de música en vivo casi todos los días, con una programación que destaca tanto a talentos locales como a artistas internacionales.
Christian Salgado, además de ser el fundador y director de El Club del Jazz, es un destacado intérprete de jazz vocal en Medellín. Su pasión por el género lo ha llevado a presentarse en diversos formatos, desde dúos hasta big bands, siempre buscando transmitir historias de amor, desamor y esperanza a través de sus interpretaciones. Su enfoque en el jazz vocal busca conectar profundamente con el público, ofreciendo experiencias musicales memorables.
Christian es nuestro invitado a este episodio de Somos Canciones donde nos contará:
- Los orígenes del Jazz
- Por qué el Jazz tiene lecciones de vida
- Un acercamiento a #MilesDavis
- El nacimiento y evolución del jazz en Colombia
#MichaelBublé, #DianaJeanKrall, #MilesDavis, #JohnColtrane, #LouisArmstrong, #AntonioArnedo, #FranciscoZumaqué, #Polaroid, #LocosLucas, #ElClubdelJazz, #Crooner, #ChristianSalgado, #Jazz, #JazzFusion
Sitio web: https://christiansalgadojazz.com/
Instagram: https://www.instagram.com/csalgadojazz/
Facebook: https://www.facebook.com/christiansalgadojazz
Sitio web El Club del Jazz: https://elclubdeljazz.com/
Instagram El Club del Jazz: https://www.instagram.com/elclubdeljazz/
Playlists de Jazz recomendadas por Christian Salgado
https://open.spotify.com/playlist/1SyPDbY3ZmQAlZGw3joMEm?si=320ba41f242744d5
https://open.spotify.com/playlist/53XcSAbF3BvKR3klRegJIg?si=cf40b7a92b6d40a4
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El son cubano con Kiki Valera
Somos Canciones es una producción de https://www.milpalabras.com.co
Conduce: Santiago Ríos
Kiki Valera, músico multi-instrumentista proveniente de uno de los linajes más históricos del son cubano, ha sido nominado al Grammy® 2025 en la categoría Mejor Álbum de Música Tropical Latina con “Vacilón Santiaguero”, su segundo lanzamiento en Estados Unidos.
Desde el siglo XIX, La Familia Valera Miranda ha desempeñado un papel importante en la cultura cubana al recopilar y preservar las tradiciones profundamente arraigadas de la legendaria región. Su álbum debut, “Antología Integral del Son”, lanzado en 1982, significó un punto de partida en el interés por la música tradicional cubana.
“Vacilón Santiaguero” fue nominado premio Grammy® 2025 en la categoría Mejor Álbum de Música Tropical Latina.
En este episodio de Somos canciones entrevistamos a Kiki Varela quein nos contará sobre:
- La tradición musical de su familia y la importancia en el son cubano
- Qué es el son cubano
- ¿Cuándo se dio cuenta de que querías dedicarse a la música?
- ¿Cómo se ha mantenido viva la tradición de La Familia Valera Miranda, y del Son Cubano a lo largo de las generaciones?
- ¿Fue importante el documental de Buena Vista Social Club para ese reconocimiento?
- ¿Ha evolucionado el Son Cubano?
- Cuando compone o interpreta, ¿qué elementos consideras esenciales para mantener la esencia del Son Cubano?, especialmente entendiendo que vive en Seattle, la ciudad donde nación el Grunge, que es quizás uno de los géneros musicales mas tristes y fatalistas que existan.
#KikiValera, #LaFamiliaValeraMiranda, #SonCubano, #MúsicaCubana, #SantiagoRíos, #SomosCanciones
Escucha aquí Vacilón Santiaguero
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Alex Giraldo, Detrás de la huella y camino de El Titán
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Playlist de algunos artistas y canciones que se mencionan en este episodio
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Conduce: Santiago Ríos
Alex Giraldo, Detrás de la huella y camino de El Titán
Como muchos colombianos que comenzamos a relacionarnos de manera intensa con la música en los años 80, podemos decir sin dudar que Kraken representó un gran orgullo nacional.
Inicialmente, este orgullo se manifestó en su natal Medellín y, más tarde, se extendió a Bogotá, y luego a toda Colombia, e incluso a algunos países de América Latina. Era un orgullo especial, porque los valores que siempre promovió el líder de la banda, Elkin Ramírez, como la libertad y el orgullo latino, eran más que un simple manifiesto de mercadeo: eran su verdadera esencia, su sentir. Esto se transmitía claramente en todas las canciones de la discografía de Kraken y en sus presentaciones en vivo.
En mi caso particular, tuve la suerte de desarrollar una amistad con casi todos los miembros originales de la formación de Kraken. Aunque no fui tan cercano a Elkin, siempre valoré su calidez y mesura al hablar. Tuve el privilegio de verlos en vivo en múltiples ocasiones, ya fuera ante grandes multitudes o con una asistencia más modesta. También fui testigo de interminables ensayos, donde nacieron esos grandes clásicos del rock colombiano.
En este episodio hablamos con Alex Giraldo, director del reciente documental sobre Elkin llamado El Titán, que actualmente se presenta en algunas salas del país.
Alex nos cuenta sus anécdotas en la dirección del documental y su acercamiento al legado de Kraken y de Elkin.
Además, comparto un par de anécdotas divertidas: una sobre un show que nunca se realizó y otra sobre un chiste de colegio personal con mi amigo Ricardo Posada, quien fue el creador de la música del primer gran éxito de Kraken, el inolvidable “Todo hombre es una historia”.
Elkin Ramírez nos dejó hace algunos años debido a un tumor maligno, pero su recuerdo sigue vivo. Una de las maneras de honrar su legado es a través del documental “El Titán”, recientemente estrenado en Colombia. Su director, Alex Giraldo, es el invitado especial de este episodio de “Somos Canciones”.
Sobre nuestro invitado
Alexander Giraldo
www.losfilmes.com
[email protected]
Cineasta nacido en Cali, con estudios en la Fundación Idci Cali, y el Instituto Superior de Artes de Cuba. Es coleccionista de vinilos de heavy metal y figuras de acción. Lector y cinéfilo. Director y guionista del largometraje documental El titán (2024), estreno internacional en BAFICI25.
Director y guionista de los largometrajes de ficción: Destinos (2016) y 180 Segundos (2012), y del telefilme documental Huella y camino: Kraken, la historia (2020). Como autor de literatura, sus primeras novelas son: Puños van. Puños vienen y 180 segundos.
Socio fundador de Cine de Amigos S.A.S, casa productora de contenidos cinematográficos, radicada en Cali. También dirige videos musicales.
#Kraken #ElkinRamírez #ElTitán #RockNacional
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Quincy Jones
En este episodio, al lado de mi amigo Jairo Guerrero, hacemos un homenaje al recién desaparecido Quincy Jones.
Además, Juan Kiss, cuenta una anécdota muy divertida cuando conoció a Quincy Jones, que demuestra en parte su don de gentes.
5 contribuciones de Quincy Jones a la música
Quincy Jones es una figura emblemática en la música contemporánea. Como compositor, productor, arreglista y visionario, su impacto se extiende por más de seis décadas, influenciando a generaciones de artistas y transformando la industria musical. Estas son sus cinco contribuciones más destacadas:
Innovación en la producción musical
Quincy Jones redefinió el rol del productor al integrar estilos musicales diversos. Mezcló géneros como jazz, soul, pop, y R&B, creando sonidos frescos y universales. Su capacidad para adaptar su visión a las necesidades del artista lo convirtió en el productor de referencia, llevando a la cima álbumes icónicos como Thriller de Michael Jackson, que sigue siendo el disco más vendido de la historia.
Fusión de jazz con música popular
Jones comenzó su carrera como trompetista y arreglista de jazz, colaborando con figuras legendarias como Count Basie y Dizzy Gillespie. Su habilidad para llevar elementos del jazz a la música popular ayudó a expandir las posibilidades de ambos géneros. Álbumes como Big Band Bossa Nova son testamento de su capacidad para innovar y cruzar fronteras estilísticas.
Éxito en bandas sonoras
Fue uno de los primeros afroamericanos en componer bandas sonoras para Hollywood, abriendo camino para otros músicos. Entre sus obras destacan las partituras de The Pawnbroker (1964) y In the Heat of the Night (1967), que combinaron elementos de jazz y música orquestal. Estas bandas sonoras rompieron estereotipos y elevaron el estándar en la música para cine.
Impulso a nuevos talentos
Quincy Jones ha sido un mentor para muchos artistas, incluyendo a Michael Jackson, quien alcanzó el estrellato mundial bajo su guía. También ha trabajado con grandes voces como Frank Sinatra, Ray Charles y Aretha Franklin, ayudándolos a perfeccionar su arte y producir algunos de sus trabajos más memorables.
Causas humanitarias
Jones organizó y produjo We Are the World (1985), un himno solidario para combatir la hambruna en África. Este proyecto unió a los artistas más influyentes de la época y demostró el poder de la música como herramienta para el cambio social. Este single se convirtió en el más vendido de la historia.
Playlist con canciones en las que intervino Quincy Jones
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El ingeniero de mezcla con 13 nominaciones al grammy - Luis Barrera Jr
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Conduce: Santiago Ríos
El ingeniero de mezcla con 13 nominaciones al Grammy – Luis Barrera JR
Hablamos en este episodio con Luis Barrera Jr. , ingeniero de artistas como Ha trabajado con artistas como #Shakira, #The Weeknd, Bad Bunny, Karol G, Grupo Frontera, Daddy Yankee, Carin Leon, Peso Pluma, Marc Anthony, Nodal, Maluma, Xavi, Nicki Nicole y muchos más.
La grabación de música ha evolucionado significativamente a lo largo de los años, marcando hitos importantes que han transformado la industria. Uno de los avances más significativos fue la invención del fonógrafo por Thomas Edison en 1877, que permitió la grabación y reproducción de sonido por primera vez. Esto abrió las puertas a la posibilidad de captar la música de manera más permanente y accesible.
En la década de 1940, la llegada de la grabación en cinta magnética revolucionó el proceso. Los ingenieros de grabación empezaron a utilizar cintas de dos y cuatro pistas, lo que permitió la grabación de múltiples instrumentos y voces por separado. Este avance fue fundamental para el desarrollo de la música moderna, ya que permitió a los artistas experimentar con la mezcla de sonidos en el estudio.
Los ingenieros de grabación juegan un papel crucial en este proceso. Son los encargados de configurar el equipo, colocar micrófonos y ajustar niveles durante las sesiones de grabación. Su conocimiento técnico y artístico es fundamental para capturar el sonido deseado. Además, trabajan en estrecha colaboración con los artistas y productores para garantizar que la visión creativa se realice de manera efectiva.
Una vez que se completa la grabación, el siguiente hito es la mezcla. Este proceso es realizado por ingenieros de mezcla, quienes toman las pistas grabadas y las combinan para crear una versión final de la canción. Utilizan técnicas como ecualización, compresión y efectos para realzar los elementos sonoros y lograr un balance adecuado. La mezcla es esencial para dar forma al sonido final, y su calidad puede hacer una gran diferencia en cómo se percibe la música.
Finalmente, la llegada de la grabación digital en las últimas décadas ha democratizado aún más el acceso a la producción musical. Hoy en día, artistas de todos los niveles pueden grabar y mezclar su música en estudios caseros, aunque el trabajo de ingenieros profesionales sigue siendo invaluable para lograr resultados de alta calidad. La evolución de la grabación musical continúa, pero el papel de los ingenieros y la mezcla sigue siendo fundamental en cada paso del proceso.
Más sobre Luis Barrera Jr
Luis Barrera Jr., hijo de mexicanos y criado en la frontera entre Estados Unidos y México, es el protagonista de una hazaña artística digna de elogios: las producciones en las que participa como ingeniero de mezcla han conseguido 13 nominaciones al Latin Grammy 2024.
El experto ya ha conocido innumerables veces el sabor del éxito. Fue ingeniero de mezcla o grabación en producciones como “La Bicicleta”, de Shakira & Carlos Vives, ganador del Latin Grammy; “A quien quiera escuchar”, de Ricky Martin, ganador del Grammy Americano; y “Forajido EP2”, de Christian Nodal, ganador del Latin Grammy, entre otros.
Barrera invirtió en su propio estudio de grabación en Miami, donde ha trabajado con los artistas más top: Shakira, The Weeknd, Bad Bunny, Karol G, Grupo Frontera, Carin Leon, Daddy Yankee, Peso Pluma, Marc Anthony, Nodal, Maluma, Xavi, Nicki Nicole y muchos más.
Desde muy pequeño, Luis Barrera Jr. ha estado rodeado e influenciado por la -
Música para los ojos. Portadas famosas de vinilos – Javier Rodríguez
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Conduce: Santiago Ríos
Hay quienes creen que el vinilo suena mejor que cualquier otro medio de reproducción de audio. Estas personas suelen ser músicos que buscan tener un sentido de exclusividad sobre este formato. No soy un purista técnico y no cuento con argumentos científicos para refutar esa afirmación, pero como melómano, siento que no es cierto.
En la actualidad, existen muchos dispositivos, como amplificadores, altavoces y ecualizadores, que permiten disfrutar de un gran sonido en nuestra música favorita. Esto, sin duda, no resta importancia a la resurrección del vinilo en los últimos años. Hay quienes desean revivir la magia de abrir un disco nuevo, oler la carátula, explorar lo que hay dentro y poseer una pieza de colección.
Sinceramente, creo que eso pertenece al pasado. La razón es simple: para mí, la música es más importante que el empaque. Prefiero mil veces listas curadas, ya sea por mí o por otros, con las canciones y artistas que me gustan, que tener que extraer un enorme disco negro de una carátula, por hermosa que esta sea.
Otra paradoja del arte en las carátulas de los discos es que el coleccionista no tiene una manera físicamente atractiva de impresionar con su música. Si se fijan, cuando aparece un musicólogo en un video, lo que se ve detrás son líneas de discos, ya que las carátulas de vinilo no tienen lomo. Por lo tanto, apenas se distingue una pequeña línea que, además, no resalta por su color. Estas son, sin embargo, solo impresiones mías.
Debo señalar que mi opinión y mi pragmatismo no disminuye en absoluto la importancia de la creación de las carátulas de álbumes a lo largo de la historia. Este es un tema que definitivamente vale la pena conocer y entender.
Para ello, en este episodio contamos con la participación de Javier Rodríguez, director de 95.9 Cámara FM y frecuente invitado a este podcast. Nos hablará sobre el origen de las portadas de los discos de vinilo, e incluso retrocederá en el tiempo para explicarnos por qué antes no existían carátulas. También abordará el caso del primer gran artista vendedor de acetatos que alcanzó un millón de copias vendidas a principios del siglo XX.
Además, nos presentará la influencia visual de The Beatles, los personajes más famosos en la creación de portadas, las contribuciones de Warhol y Dalí a esta industria, cómo la música influía en la imagen de la carátula (o se contradecían) y mucho más.
#TheBeatles, #TheVelvetUnderground, #CountBaise, #DerbieHarry, #JohnLennon, #MiguelBosé, #ArethaFranklin, #TheRollingStones, #PinkFloyd, #LedZeppelin, #yes, #CocteauTwins, #Pixies, #DeadCanDance, #Bookends, #PattiSmith
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La música y los medios en la Medellín de los 80´s
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Conduce: Santiago Ríos
Quizás para muchos, la imagen de Medellín de los 80 y los 90 esté relacionada con todo el fenómeno del narcotráfico, y quizás tengan razón. Pero mientras la tragedia golpeaba, de una medida u otra, a muchas familias de la ciudad, también había una necesidad de salir. No lo digo desde el sentido de migración, sino de salir de un marco mental que, de alguna forma, las montañas que rodean la ciudad nos limitaban.
Ese salir era descubrir y cómo dice Fito, “ver que pasa allá afuera” qué pasaba en el mundo con el arte, el cine, y claro la música. Los 80 y los 90 en Medellín, sin Internet, sin redes sociales y con pocas personas que tenían la posibilidad de viajar fuera, eran épocas de exploración, de encontrar nuevas maneras de contar y sentir las cosas.
Román González me invitó a una conversación sobre esa Medellín de las dos últimas décadas del siglo XXI para hablar sobre medios y música. Esa conversación dio como resultado un episodio de su podcast, "El Show del Mutuo Elogio". Con su autorización, reeditamos parte de esa entrevista en este nuevo episodio de "Somos Canciones".
Aclaro que la entrevista me la hizo Román. Pero terminamos compartiendo ambos nuestras historias con la música.
Contamos muchísimas cosas, por ejemplo,
- Cuando Román mató a Enrique Bunbury,
- Mis encuentros con Shakira que me inflaron el ego
- El monedazo al vocalista de REO Speedwagon en un show en Medellín
- El gay mas famoso de Medellín en el bar under más icónico de la ciudad
- Una historia divertidísima con Camilo Sesto y mucho más.
¡No se pierdan este episodio!
#REOspedwagon #CamiloSesto #Shakira #U2 #HéroesDelSilencio #AFlockOfSegulls #SodaEstéreo
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El origen del planeta rock
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Conduce: Santiago Ríos
Si bien se podría pensar que fue en Bogotá, los orígenes del Planeta Rock hay que buscarlos años atrás, a mediados de los 90 en la Radioactiva de la ciudad de Medellín cuando con un grupo de amigos creamos un gran diferencial en la programación con una promesa de comunicación que decía: “Radioactiva Tenía más Nuevo rock”
El slogan Planeta Rock realmente nació en 1997 después que Caracol decidiera cambiar el formato de la emisora y responsabilizarme a mí como primer director del sistema Radioakctiva.
Entre otras ¿saben de quién fue la idea de bautizar radioactiva como Planeta Rock?
Debo decir que ha habido personajes de Radio que se autoproclaman como los creadores del término, pero la verdad quien creó el término era un colaborador de Caracol Radio que apoyaba el área de Marketing llamado Dennis Murcia.
De hecho a mí el eslogan en primera instancia no me gustaba porque llamar a la Emisora Planeta Rock era se me parecía al de “Planeta Fútbol” un programa deportivo de la cadena RCN.
Pero en fin debo reconocer que Planeta Rock como eslogan funcionó muy bien y la historia de Radioacktiva desde entonces ha sido muy exitosa en su formato, con una vigencia superior a la de otras marcas o competidores.
En este episodio un melómano y ex oyente, Jaime Franco, me invitó a un conversatorio al teatro Porfirio Barba Jacob de Medellín para hablar del origen del Planeta Rock.
Aquí comparto entre otras:
- Cómo diferenciamos la primera radioactiva en Medellín
- Qué estaba pasando con el Mercado radial y musical a principios de los 90
- La definición de lo alternativo
- La influencia de La Tele y Zape Pelele en el posicionamiento de la emisora
- ¿Ha muerto el rock?
- Por que funciona la música en inglés
- Por que el reggaetón es un género malvado
#RadioAcktiva #PlanetaRock #SantiagoRíos #SomosCanciones #CarlosAcosta #javierRodríguez #AndrésNieto #TitoLópez #NuevoRock #RockAlternativo #GabrielPosada #BetterThanEzra #GooGooDolls #GinBlosoms #Nirvana #PealJam #FooFighters #Soundgarden #AlanisMorisette #Caifanes #Live (all over you) #Beck (Looser) #StoneTemplePilots (InterstateLoveSong) #SoupDragons (I’mFree) #TheCranberries (Zombie)
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La embajada británica - Mauricio Pérez
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Conduce: Santiago Ríos
Mauricio Pérez hizo parte de la legendaria pionera emisora juvenil Veracruz Estéreo en Medellín.
Y fue pionera porque creó nuevos lenguajes, estrategia de rotación musical, nuevos formatos de programa, personajes y programación musical con canciones de Inglaterra que ni siquiera habían llegado a Estados Unidos.
Uno de esos programas era “Embajada Británica” con Mauricio Pérez, el invitado a este episodio.
- El nos habla de cómo la música llegó a su vida
- El momento en que cambió el español por el inglés
- Sus recordados personajes Pochito y Toño Aguilar
- Por qué era tan especial el pop británico
Y mucho mas...
La música posee una capacidad extraordinaria para transportarnos a lugares lejanos, creando escenarios mentales que nos permiten vivir experiencias sensoriales y emocionales más allá de nuestra realidad inmediata. Esta habilidad de la música para evocar el ambiente de otro país o ciudad se basa en la relación íntima entre sonidos, ritmos y nuestra memoria emocional.
Más allá de lo explícito de algunos ritmos y letras, los músicos son capaces de crear atmósferas sonoras únicas que nos transportan a ciertos lugares.
#VeracruzEstéreo, #Pochito, #ToñoAguilar, #DespiérteseConVeracruz, #DonnieMiranda #TitoLópez, #NewWave, #EmbajadaBritánica, #DanFogelberg, #DepecheMode, #DoobieBrothers, #Orleans, #JimmyNail, #JimPhotoglow, #JamesTaylor, #It'sInmaterial, #AlanJackson, #AnitaBaker, #Big Country, #Billy Bragg, #Black, #BobSeger, #BoyzIIMen, #BosScaggs, #ChinaCrisis
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Yoko Ono, ¡La muy zorra!
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Conduce: Santiago Ríos
Solía creer que exageraban quienes decían que la viuda Yoko Ono fue causante en gran parte de la separación de The Beatles. Ahora pienso que se quedaron cortos.
He estado oyendo y estudiando The Beatles recientemente y me he encontrado con temas escandalosos de la japonesa.
Pero más que darle la importancia a Yoko, en este episodio les comparto:
- Por que vale la pena conocer a fondo a The Beatles
- 2 publicaciones recomendadas sobre The Beatles
- ¿Vale la pena ver en concierto a un McCartney viejo?
- ¿Quién era más talentoso Lennon o McCartney?
- ¿Harrison y Ringo daban la talla?
- Y claro, la historia detrás de la frase ¡La muy zorra!
Aquí una extensa playlist de The Beatles
https://open.spotify.com/playlist/30x5aEzoA6AsM3AzgDGVz3?si=29878df8bae94ab6
¿Por qué the Beatles fueron una revolución en la música y la cultura pop?
The Beatles no solo fueron una banda icónica de los años 60, sino un fenómeno cultural que transformó para siempre la música y la sociedad a nivel global.
Originarios de Liverpool, Inglaterra, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, llevaron la música pop a nuevas alturas, tanto artística como comercialmente. Su impacto fue tan profundo que su influencia todavía se siente hoy.
En términos musicales, The Beatles fueron pioneros en romper las barreras entre los géneros. Combinaron el rock and roll con influencias de música clásica, folk, y el blues, creando un sonido único e innovador.
Álbumes como *Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band* y *Revolver* mostraron una experimentación sin precedentes en la música popular, incorporando técnicas de estudio avanzadas, letras introspectivas, y conceptos complejos que elevaron el estándar del pop y el rock.
Pero su influencia no se limitó solo a la música. The Beatles también jugaron un papel crucial en la evolución de la cultura juvenil y la moda de los años 60.
Con su look en diferentes momentos, marcaron tendencias que se replicaron en todo el mundo. Además, fueron defensores de la paz y el amor durante una época de convulsión social y política, convirtiéndose en portavoces de una generación que ansiaba el cambio.
La *Beatlemanía* no fue solo una moda pasajera; fue un movimiento cultural que unió a personas de diversas edades y culturas. Al combinar innovación musical con un profundo impacto cultural, The Beatles redefinieron lo que significaba ser una banda de rock.
#TheBeatles, #JohnLennon, #PaulMcCartney, #GeorgeHarrison, #RingoStarr, # YokoOno, #GeorgeMartin, #AbbeyRoad, #GeoffEmerick, #Revolver, #SgtPepper'sLonelyHeartsClubBand
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Bajotierra - Jaime Pulgarín “Papocho”
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Playlist de algunos artistas y canciones que se mencionan en este episodio
https://open.spotify.com/playlist/3xpJKqqwdJwJ93W9PlYgmP?si=e8bece17b6154b08
Conduce: Santiago Ríos
En la vibrante escena musical de Medellín, el rock ha sido fundamental mucho antes de la explosión de la llamada música urbana. En los 90, Bajotierra se logró conectar profundamente con su entorno tomando elementos de la vida cotidiana, jergas locales e historias urbanas para componer sus canciones. Este proceso creativo no solo refleja la vida de la ciudad, sino que también terminó impactando de manera significativa la cultura urbana.
Para @Bajotierra, Medellín ha sido más que un simple telón de fondo; es una fuente inagotable de inspiración. Las calles, los barrios, las conversaciones cotidianas y los personajes urbanos se convierten en elementos esenciales que alimentan la narrativa de sus canciones.
Hay marcas que me han marcado de por vida y una de las que más ha sido Bajotierra. Cuando escuchaba y veía a esta banda en concierto, sentía que se contaba una historia muy local de Medellín, pero con un sonido y una actitud abosultamente globales.
Era como decir, sin nacionalismo pendejo: esta es la propuesta de rock alternativo de Medellín para el mundo. Que pena el lugar común de presentador de tarima en feria de pueblo. Pero es verdad.
Todo bien
El uso de la jerga local ha sido una herramienta poderosa para Bajotierra que ha logrado gran autenticidad en sus letras narrando temas de Medellín y también de Colombia. Nuestras expresiones y lenguaje le han dado a sus canciones una conexión genuina con su audiencia.
En este episodio de @SomosCanciones hablamos con Jaime Pulgarín “Papocho”, guitarrista y fundador original de la banda. Con él compartiremos:
El origen de Bajotierra- La influencia musical de sus profesores de colegio- El primer baterista de emergencia de la banda- Su papel de fans de Mano Negra en El Expreso del Hielo- La influencia de los Beatles en Papocho- Las repercusiones de su álbum legendario “Lavandería real” con éxitos como “El Pobre” y “Jimmy García”- Cómo se acomodó “Las Puertas del amor” para que sonara en radio- Conciertos memorables del grupo (uno de ellos con arresto inlcuido)- Cómo Camilo “el burro” se fue ganando la voz principal de la banda
#Bajotierra, #TheBeatles, #BlackSabath, #TheClash, #Ilegales, #Pixies, #ManoNegra, #TalkinHeads, #JoeArroyo, #LosVioladores, #JoseLuisPerales, #Queen, #Sweet, #Alcolirykoz, #TheCure, #RollingStones
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Historias sonoras en 40 años, 40 discos – Conversatorio 40 años de Cámara FM
En este 2024 la Emisora 95.9 Camara FM está cumpliendo 40 años. Este es un gran logro no sólo por el hecho de qué es la única Cámara De Comercio del país que cuenta con un Emisora sino que son cuatro décadas con una propuesta única que no se parece a ninguna otra Estación en Colombia
La Emisora nació como una alternativa cultural que empezó con una programación más orientada a la música clásica pero que desde hace 20 años aproximadamente presenta obras de rock y pop alternativo con una intención clara de mostrar hacia dónde se dirige la música del mundo rehusando a seguir los dictados de la revista Billboard o de lo que simplemente está de moda.
#CamaraFM ha sido un espacio donde siempre encontramos la vanguardia de lo que sucede con el rock y el pop y de lo que viene para el futuro.
En el Marco de la celebración de los 40 años de la Emisora 95.9 Camara FM fui invitado a un conversatorio Para hablar de los 40 álbumes más influyentes en la música durante los últimos 40 años (más adelante la lista completa y playlist). Esta selección de álbumes pudiera ser caprichosa pues fue creada por el director de 95.9 Javier Rodríguez pero no debería pasar desapercibida para ningún amante de la música.
Estuvimos en el conversatorio el propio Javier, Carlos Acosta pionero en la programación radial del Rock en español a Colombia a través de la emisora Super Stereo, Juan Moreno realizador y Productor de 95.9 Camara FM y yo, Santiago Ríos orgulloso Productor de la emisora desde hace bastante rato y obviamente amante y conocedor de este cuento.
Este conversatorio simplemente se presentó como algo informal sin un orden riguroso donde discutimos alguna de las obras de rock y pop más notables de las últimas cuatro décadas. Es una entretenida charla que la hemos convertido en Podcast. Disfruta.
Playlist de este episodio https://open.spotify.com/playlist/5VWlB8NgYvafLCKwagDZnn?si=mcVS87E3TSSG11W3w0jUZA&pi=u-1nt-EwKFR0-W
Aquí están los 40 discos más importantes de rock y pop en los últimos 40 años
1. 1984 U2 The Unforgettable Fire
2. 1985 Tears For Fears Songs From The Big Chair
3. 1986 Soda Stereo Signos
4. 1987 Depeche Mode Music For The Massses
5. 1988 Cowboy Junkies The Trinity Session
6. 1989 The Cure Disintegration
7. 1990 Cocteau Twins Heaven or Las Vegas
8. 1991 R.E.M. Out Of Time
9. 1992 Tori Amos Little Earthquakes
10. 1993 Mazzy Star So Tonight I Might See
11. 1994 Portishead Dummy
12. 1995 Bjork Post
13. 1996 Belle and Sebastian If You’re Feeling Sinister
14. 1997 Radiohead OK Computer
15. 1998 Massive Attack Mezzanine
16. 1999 Moby Play
17. 2000 Coldplay Parachutes
18. 2001 Kings of Convenience Quiet Is The New Loud
19. 2002 Wilco Yankee Hotel Foxtrot
20. 2003 Mojave 3 Spoon and Rafter
21. 2004 Air Walkie Talkie
22. 2005 Sufjan Steven s Illinoise
23. 2006 Thom Yorke Eraser
24. 2007 Arcade Fire Neon Bible
25. 2008 Beck Modern Guilt
26. 2009 The xx xx
27. 2010 Twin Shadow Forget
28. 2011 James Blake James Blake
29. 2012 - Visa fler
