Avsnitt

  • Country Music ist lĂ€ngst mehr als Cowboy-Klischees, Trucks und Whiskey. Hinter dem Genre steckt eine eigene Songwriting-Kultur, eine hochspezialisierte Studioszene – und ein ganz besonderer Blick auf Musikproduktion, Storytelling und Arrangement.

    In dieser Episode spricht Marc Bohn mit dem deutschen Songwriter und Produzenten Tim Rakowitz, der heute in Nashville lebt und arbeitet. Tim erzĂ€hlt von seinem Weg von Hamburg ĂŒber die Popakademie Mannheim in die USA, von den ersten Co-Writes in Nashville und davon, wie Songs dort entstehen – oft ausgehend von einer einzigen Titelidee oder einer starken Zeile.

    Außerdem geht es um die besondere Schreibkultur der Stadt, Writers Rounds, die Rolle von Storytelling in modernen Country-Songs und den Einfluss von Pop, Rock und Hip-Hop auf aktuelle Produktionen von KĂŒnstlern wie Morgan Wallen oder Post Malone. Auch das berĂŒhmte Nashville Number System, moderne Recording-Workflows und die Bedeutung von Studiomusikern kommen zur Sprache.

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  • Wie entsteht heute ein moderner Alternative-Rock-Song – wenn eine Band nahezu alles selbst ĂŒbernimmt?

    In der neuen Studiosofa-Folge sind Dunja & Marc Buhr zu Gast. Gemeinsam sprechen wir ĂŒber ihren Weg vom Bedroom-Pop-Projekt zur Alternative-Rock-Band LYNNE und zeigen den kompletten Entstehungsprozess ihrer Musik – von der ersten Songidee ĂŒber Recording, Mixing und Mastering bis hin zu Artwork, Marketing und Release.

    Besonders spannend: Wir öffnen die DAW und gehen gemeinsam durch zwei ihrer Songs. Ihr hört, wie sich „Every Summer“ entwickelt hat – ursprĂŒnglich mit einem Chorus, der heute als Verse dient – und erfahrt, welche kreativen Entscheidungen den Song zu seiner finalen Version gemacht haben.

    Außerdem gibt es eine exklusive Hörprobe von „UTOPIA“ – der neuen Single, die erst einen Tag spĂ€ter, am Freitag, veröffentlicht wird. Noch vor dem offiziellen Release sprechen wir ĂŒber die Entstehung des Songs und hören gemeinsam in die Produktion hinein.

    Freut euch auf eine Folge voller Einblicke in modernes DIY-Producing, Songwriting, Recording, Mixing und Selbstvermarktung – und darauf, wie aus einer ersten Idee ein veröffentlichter Alternative-Rock-Song wird.

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  • Kopfhörer waren im Studio lange Zeit vor allem ein Werkzeug fĂŒrs Recording oder Kontrollhören. Heute entstehen komplette Produktionen auf ihnen – im Homestudio, unterwegs oder direkt „on the road“. Gleichzeitig wird Musik zunehmend ĂŒber Kopfhörer konsumiert. Doch wie neutral muss ein Studiokopfhörer eigentlich sein? Wie wichtig sind Messwerte wirklich? Und wie lernt man, auf Kopfhörern verlĂ€ssliche Entscheidungen zu treffen?

    In dieser Folge spricht Marc Bohn mit Martin Stahl von Beyerdynamic ĂŒber die Entwicklung moderner Studiokopfhörer – vom ergĂ€nzenden Werkzeug hin zur zentralen Abhöre moderner Produktions-Workflows.

    Es geht um offene und geschlossene Bauweisen, Klangsignaturen, den legendĂ€ren DT 990 Pro, Headphone Lab, Lautsprecher-Emulation und die Frage, warum gutes Hören am Ende wichtiger bleibt als jedes Datenblatt. Außerdem werfen wir einen Blick auf die Zukunft von DSP, personalisierten Abhörsystemen und mobilem Arbeiten im Audio-Bereich.

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  • „Ich mĂŒsste eigentlich mehr posten 
“

    Diesen Gedanken kennen wahrscheinlich viele Producer, Engineers und Studioinhaber. Zwischen Sessions, Kundenprojekten, Mixing, Mastering und Studio-Alltag bleibt oft kaum Zeit fĂŒr Social Media, Content und Selbstvermarktung – und irgendwann wird das Thema einfach nur noch Stress.

    In dieser Podcast-Episode spricht Marc Bohn ĂŒber sein neues Webinar „Erfolgreiche Selbstvermarktung fĂŒr Producer & Audio Engineers“ und darĂŒber, warum Selbstvermarktung nicht automatisch bedeutet, stĂ€ndig posten oder auf jeder Plattform gleichzeitig stattfinden zu mĂŒssen.

    Es geht um Zielgruppen, Plattformen, nachhaltige Content-Strategien, kreative Formate, Community-Aufbau, Zeitmanagement und die Frage, wie man die richtigen Kunden erreicht, ohne dass Selbstvermarktung zum zusÀtzlichen Vollzeitjob wird.

    Außerdem spricht Marc ĂŒber seine eigenen Erfahrungen mit dem Sounddesign-Projekt the pilot luna, den Aufbau von ĂŒber 10.000 Followern innerhalb eines Jahres, Content-Workflows, KI-Tools, Automatisierung und darĂŒber, warum authentischer Content oft wichtiger ist als perfekte Hochglanzproduktionen.

    Mit vielen praxisnahen Beispielen aus dem Alltag von Producer, Studios und Creatorn – ehrlich, direkt und ohne typisches Marketing-Bla-Bla.

    🎧 Webinar:
    „Erfolgreiche Selbstvermarktung fĂŒr Producer & Audio Engineers“
    17. Juni 2026

    👉 Alle Infos:
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  • Wie entsteht eigentlich die Musik hinter großen TV-Produktionen wie The Masked Singer oder X Factor? Welche Anforderungen gelten, wenn Songs unter enormem Zeitdruck produziert, arrangiert und an unterschiedlichste Stimmen angepasst werden mĂŒssen? Und wie schafft man es, dass Musik im Fernsehen trotzdem emotional, hochwertig und relevant klingt?

    In dieser Folge des Studiosofa Podcasts sprechen wir mit Philipp Rauenbusch ĂŒber seinen außergewöhnlichen Weg vom Musiker und GrĂŒndungsmitglied von Reamonn hin zum Musikproduzenten und Musikredakteur fĂŒr große TV-Formate.

    Philipp erzĂ€hlt von seinen AnfĂ€ngen als Bassist in Schulbands, seinem Musikstudium, den Jahren mit Reamonn und seiner Arbeit im Tonstudio, bevor er schließlich nach Köln zog und ĂŒber erste Vertretungsjobs in die Welt der TV-Shows einstieg.

    Im Mittelpunkt stehen dabei Produktionen fĂŒr Formate wie X Factor, All Together Now und vor allem The Masked Singer, wo Philipp seit der ersten Staffel die komplette musikalische Gestaltung verantwortet – von Songauswahl und Arrangements bis hin zu Playbacks, Produktionen und der musikalischen CI der Show.

    Außerdem geht es um den Spagat zwischen KreativitĂ€t und Massenproduktion, um musikalische Entscheidungen unter Sender-Vorgaben und um die Frage, wie moderne TV-Musikproduktionen heute technisch und organisatorisch funktionieren.

    Eine spannende Folge fĂŒr alle, die sich fĂŒr Musikproduktion, Arrangement, TV-Audio, Live-Entertainment und professionelle Produktions-Workflows interessieren.

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  • Dieses Mal sind wir zu Gast in den Camden Recording Studios und sprechen mit Produzent, Pianist und Studioinhaber Cian Boylan ĂŒber Irish Folk Music, moderne Recording-Workflows, ungewöhnliche Taktarten wie 6/8 oder 9/8, traditionelle Instrumente und die aktuelle Studioszene in Dublin.

    Cian hat unter anderem mit Ronan Keating, SinĂ©ad O’Connor, Andrea Corr von The Corrs, Van Morrison und Gregory Porter gearbeitet und komponiert außerdem Musik fĂŒr Film- und TV-Produktionen.

    Außerdem nehmen wir euch am Ende der Episode noch mit auf eine kleine Tour durch die Camden Recording Studios.

    Passend dazu findet ihr in der aktuellen Ausgabe 02/26 von Sound & Recording eine ausfĂŒhrliche Studio-Story mit vielen Bildern und weiteren EindrĂŒcken aus Dublin.

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  • Im zweiten Teil unserer Tour durch die legendĂ€ren Windmill Lane Recording Studios in Dublin betreten wir die großen RegierĂ€ume und Live-Rooms des Studios. Mitinhaber Tony Perrey spricht ĂŒber Orchesteraufnahmen, legendĂ€re Sessions mit U2, den Rolling Stones oder Bruce Springsteen und darĂŒber, warum große Recording-Studios trotz moderner In-the-Box-Produktionen bis heute eine besondere Rolle spielen.

    Außerdem geht es um analoge Konsolen, die besondere Akustik der RĂ€ume, Studiokultur und die tĂ€gliche RealitĂ€t hinter einem der bekanntesten Recording-Studios Europas.

    Passend zur Episode findet ihr in der Ausgabe 01/26 des Sound & Recording Magazins einen ausfĂŒhrlichen Artikel ĂŒber die Windmill Lane Recording Studios – inklusive Bilder, HintergrĂŒnde und weiterer EindrĂŒcke aus Dublin.

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  • In der neuen Podcast-Episode von „Drei Fragen an“ spricht Christoph Aßmann ĂŒber Layering, moderne Keyboard-Sounds und die Frage, warum ein einzelnes Piano heute oft nicht mehr ausreicht, um einen Song wirklich groß, emotional und zeitgemĂ€ĂŸ klingen zu lassen.

    Es geht um:
    ‱ moderne Popschlager-Sounds
    ‱ Layering-Techniken fĂŒr mehr Druck und Tiefe
    ‱ Synthesizer wie Nexus & Serum
    ‱ Dynamik zwischen ruhigen Verses und großen Chorussen
    ‱ kreative Arrangements fĂŒr mehr Emotion und Spannung

    Christoph gibt dabei spannende Einblicke in seine Arbeitsweise aus Produktionen fĂŒr Giovanni Zarrella, Florian Silbereisen und viele weitere Artists.

    Und wer noch tiefer einsteigen möchte:
    Am 27. Mai zeigt Christoph im Sound&Recording-Webinar praxisnah direkt in der Session, wie moderne Keyboard-Arrangements aufgebaut werden – inklusive konkreter Sounds, Layering-Techniken und Workflow-Tipps.

    🎟 Mit dem Gutscheincode WEBINAR10 spart ihr zusĂ€tzlich 10 € auf alle Webinare.

    Alle Infos unter:
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  • Wie entsteht moderne Ambient- und Chill-Out-Musik zwischen Hardware-Synthesizern, emotionalem Sounddesign und immersivem Dolby-Atmos-Mixing?

    In dieser Episode des Studiosofa Podcasts sprechen wir mit Thomas Lemmer ĂŒber seinen musikalischen Weg vom klassischen Klavierunterricht und der Kirchenorgel bis hin zu internationalen Ambient- und Chill-Out-Produktionen. Gemeinsam tauchen wir tief in die Entstehung seines neuen Albums DREAMSCAPES II ein und sprechen ĂŒber kreative Workflows, Lieblings-Synthesizer, Arrangement in ruhiger Musik, Mixing, Mastering und die besondere Rolle von Hardware-Instrumenten im Produktionsprozess.

    Außerdem hören wir gemeinsam in Songs wie „A Sky of Light, A Symphony Unfolding“, „White Room“ und „Forever“ hinein und analysieren, wie AtmosphĂ€re, Raum und Emotion in moderner Ambient-Musik entstehen.

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  • Die Windmill Lane Recording Studios in Dublin gehören zu den legendĂ€rsten Studios Europas. Hier entstanden Produktionen von U2, den Rolling Stones, den Cranberries, Hozier, Ed Sheeran und vielen weiteren KĂŒnstlern. In dieser Episode fĂŒhrt uns Mitinhaber Tony Perrey durch die Geschichte des Hauses und gibt Einblicke in den Alltag eines großen Recording-Studios.

    Im ersten Teil sprechen wir ĂŒber die Entstehung von Windmill Lane, berĂŒhmte Produktionen, analoge Konsolen, die Rolle großer Studios im modernen Musikbetrieb und das angeschlossene College, in dem die nĂ€chste Generation von Audio Engineers ausgebildet wird.

    Ein GesprĂ€ch ĂŒber Studiokultur, Technik und die besondere AtmosphĂ€re eines Ortes, an dem seit Jahrzehnten Musikgeschichte entsteht.

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  • In dieser Episode des Studiosofa Podcasts sprechen wir mit Xavier Presser von AIM Audio ĂŒber die Entwicklung von Studiomikrofonen – von der ersten Idee bis zur Endmontage in Berlin.

    Xavier erzĂ€hlt von seinem Weg vom Elektronik-Ingenieur ĂŒber das Produktmanagement im Gaming-Bereich bis hin zur Mikrofonentwicklung bei AIM Audio. Gemeinsam tauchen wir tief in Themen wie Kapselauswahl, QualitĂ€tskontrolle, Akustik, internationale Entwicklungsprozesse und die klanglichen Unterschiede zwischen ĂŒbertragerlosen und ĂŒbertragerbasierten Mikrofonen ein.

    Außerdem sprechen wir darĂŒber, wie subjektiv Mikrofonklang wirklich ist, warum Referenzhören ĂŒber Lautsprecher und Kopfhörer so wichtig ist und welche Herausforderungen entstehen, wenn man Studiomikrofone heute wieder in Berlin produzieren möchte.

    đŸŽ™ïž ZusĂ€tzlich verlosen wir gemeinsam mit AIM Audio ein AIM Audio Essence Mikrofon.

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  • In dieser Folge spricht Host Waldemar Vogel wir mit Mixing Engineer Clemens Matznick ĂŒber einen der wichtigsten – und oft unterschĂ€tzten – Faktoren im Mixing: den Workflow.

    Warum verlieren sich viele Mixe in Details? Wieso fĂŒhren mehr Tools nicht automatisch zu besseren Ergebnissen? Und wie schaffst du es, Klarheit, Struktur und Emotion in deinem Mix wirklich zusammenzubringen?

    👉 Wenn du tiefer einsteigen willst: Am 05. Mai um 19:30 Uhr gibt Clemens ein Live-Webinar zum Thema „Workflow fĂŒr bessere Mixe“ – inklusive Q&A.

    Alle Infos: www.soundandrecording-magazin.de/webinare

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  • Was passiert, wenn man sich nicht zwischen Studio und Live entscheiden will – sondern beides konsequent miteinander verbindet?

    In dieser Episode des Studiosofa Podcasts sprechen wir mit Drazen Matuzovic ĂŒber seinen Weg vom DIY-Musiker zum professionellen Audio Engineer. Vom Home-Recording fĂŒr die eigenen Bands ĂŒber die Ausbildung an der SET bis hin zur radikalen Entscheidung, den sicheren Job im Sozialbereich hinter sich zu lassen und vollstĂ€ndig in die Audiowelt einzusteigen.

    Heute arbeitet Drazen nicht nur in seinem eigenen Studio, sondern ist auch hauptverantwortlich fĂŒr die Audiotechnik am Alter Schlachthof Wels und betreut Bands live und im Studio.

    Wir sprechen ĂŒber:
    – den Schritt in die SelbststĂ€ndigkeit
    – warum Live-Erfahrung dein Studio-Game verĂ€ndert
    – den bewussten Einsatz von analogem Equipment wie Bandmaschine und Pult
    – und wie man sich zwischen Punk-AttitĂŒde, Pop-Produktionen und eigener Handschrift positioniert

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  • Warum sollen Musiker heute ĂŒberhaupt noch ins Studio gehen?
    In Zeiten von Home Recording, DIY-Produktionen und KI-Tools scheint die Antwort auf den ersten Blick klar: Eigentlich braucht es das klassische Studio nicht mehr. Und trotzdem entscheiden sich viele Bands ganz bewusst dafĂŒr, genau diesen Weg zu gehen.

    In der neuen Episode vom Studiosofa Podcast sprechen wir mit Vincent Klein, Audio Engineer und Betreiber des Tonstudios Revolutionary Sounds, ĂŒber genau diese Frage. Vincent kennt beide Welten: die prĂ€zise Arbeit im Synchronstudio beim SaarlĂ€ndischen Rundfunk und die tĂ€gliche Praxis mit Bands und KĂŒnstlern im eigenen Studio. Zwischen Fader-Arbeit, Raumkonzepten und echten Performances geht es um weit mehr als Technik.

    Wir sprechen darĂŒber, warum Bands heute vieles selbst machen – und warum sie trotzdem ins Studio gehen. Welche Rolle spielt ein professioneller Raum fĂŒr Entscheidungen, Energie und Fokus? Was verĂ€ndert sich durch KI und neue Produktionsmöglichkeiten? Und was bleibt am Ende unersetzlich?

    Eine ehrliche Folge ĂŒber den Wert von Studios im Jahr 2026 – zwischen RealitĂ€t, Leidenschaft und dem Wunsch, Musik wirklich festzuhalten.

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  • Was macht den Unterschied zwischen einem guten Mix und einem Master, das im Club, auf Spotify und auf Vinyl gleichermaßen ĂŒberzeugt? In dieser kurzen Podcast-Episode sprechen wir mit Roy Recklies ĂŒber genau diese entscheidenden Punkte – praxisnah, direkt aus dem Alltag eines Engineers, der u. a. mit Robin Schulz arbeitet.

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  • Im zweiten Teil gehen wir der Frage weiter nach: Was macht Synthesizer zur Legende – und wo hört man den Unterschied wirklich?

    Wir vergleichen Hardware und Software direkt miteinander:
    Korg PS-3300 (Original vs. Plug-in), Elka Synthex Stereo-Architektur, Minimoog-Charakter, Juno-60-Chorus und die Modulationsmatrix des Oberheim Matrix 12.

    Es geht um Feedback-Schaltungen, analoge NichtlinearitÀten, Stereo-Breite, MIDI-Integration und die physikalischen Grenzen digitaler Simulation.

    Ein technischer, aber musikalischer Deep Dive fĂŒr Produzenten, Sounddesigner und alle, die Synthesizer nicht als Preset-Maschinen, sondern als Instrumente verstehen.

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  • Wie wichtig ist Raumakustik wirklich – und warum bringt dich dein Studio beim Mixing manchmal in die Irre?

    In dieser Episode sprechen wir mit Lukas Rimbach und Paul Linke von GIK Acoustics ĂŒber die grĂ¶ĂŸten MissverstĂ€ndnisse rund um Raumakustik, typische Probleme in Home- und Projektstudios und darĂŒber, wie man sie praxisnah in den Griff bekommt.

    In „3 Fragen an
“ bekommst du einen kompakten Einblick in die wichtigsten Themen der Raumakustik fĂŒr Tonstudios.

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  • Was macht Synthesizer zur Legende? Warum klingt ein Minimoog bis heute anders als seine Software-Emulation? Weshalb hat der Juno 60 einen Sweet Spot, der sich nicht programmieren lĂ€sst? Und warum ist der Yamaha CS-80 eher ein Performance-Instrument als ein klassischer Synth?

    In Teil 1 unseres GesprĂ€chs mit Michael Soltau (Filmmusik u. a. Notruf Hafenkante) und Stephan Bobinger vom Synthesizer Studio Berlin geht es um analoge Synthesizer als echte Instrumente. Wir sprechen ĂŒber Haptik, subtraktive Synthese, musikalische Entscheidungsprozesse und darĂŒber, warum Hardware das Denken verĂ€ndert.

    Mit dabei: Minimoog, Juno 60, Oberheim Matrix 12 und Korg PS-3300 – und die Frage, warum manche Instrumente Jahrzehnte ĂŒberdauern.

    Teil 2 mit direkten Hardware-vs.-Software-Klangvergleichen erscheint in der nÀchsten Folge!

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  • Vom Allrounder zum Spezialisten – und warum genau das der SchlĂŒssel zu einem erfolgreichen Studio sein kann.

    In dieser Episode sprechen wir mit Andreas Mayer vom Audiobloom Studio darĂŒber, wie er den Schritt vom Vollzeitlehrer in die SelbststĂ€ndigkeit gewagt hat – und warum es nicht gereicht hat, einfach „alles anzubieten“. Stattdessen hat er sein Studio konsequent neu ausgerichtet: weg vom Bauchladen, hin zu einer klaren kĂŒnstlerischen Vision.

    Heute produziert Andreas vor allem Singer/Songwriter im Bereich Akustik-Pop und Folk – und begleitet sie vom ersten Songwriting bis zur fertigen, release-bereiten Produktion. Dabei geht es nicht nur um Recording und Mixing, sondern um ein ganzheitliches Erlebnis: KĂŒnstler reisen an, leben fĂŒr ein paar Tage im Studio und arbeiten gemeinsam mit eingespielten Session-Musikern an ihren Songs.

    Wir sprechen ĂŒber den Weg dahin, die Rolle von Spezialisierung, den Aufbau eines funktionierenden Netzwerks – und warum Erfolg im Studio nichts ist, das einem einfach zufĂ€llt.

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  • Warum klingen viele Produktionen trotz viel Aufwand immer noch wie Demos – und was unterscheidet sie wirklich von Songs, die auf internationalem Level funktionieren?

    Genau darĂŒber spreche ich heute mit Dom Rivinius, der unter anderem an Songs fĂŒr Taylor Swift, Eminem und Alicia Keys gearbeitet hat.

    Wir gehen drei zentrale Fragen durch, die dir helfen zu verstehen, wie du deine eigenen Songs auf ein kommerzielles Level bringen kannst.


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