Avsnitt
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Su mundo interior—inquietante, tenebroso, apocalíptico, espejo de los horrores de la guerra que ha vivido—queda plenamente patente en su obra. Amplia es su paleta de intereses y técnicas, que va del serialismo al collage, del cine a la electrónica, del jazz a la radio.
_____Has escuchado
Concerto for Trumpet and Orchestra: Nobody Knows the Trouble I See (1954). Hakan Hardenberger, trompeta; SWF Sinfonieorchester Baden-Baden; Michael Gielen, director. Philips (1993)
Concerto pour violoncelle et orchestre en forme de “pas de trois” (1965). Siegfried Palm, violonchelo; Rundfunk-Sinfonieorchester Saarbrücken; Hans Zender, director. CPO (1997)
Die Soldaten. Primer acto, primera escena: Strofe (1991). Milagro Vargas, mezzo-soprano; Nancy Shade, soprano [et al.]; Chor des Staatstheaters Stuttgart; Staatsorchester Stuttgart; Bernhard Kontarsky, director. Teldec (1991)
Requiem für einen jungen Dichter. Prolog a Ricercar (1967-1969). SWF-Sinfonieorchester Baden-Baden; Michael Gielen, director. Sony (1995)
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Selección bibliográfica
BERGÉ, Pieter et al., “Bernd Alois Zimmermann: Requiem für einen jungen Dichter”. En: Dies Irae: Kroniek van Het Requiem. Leuven University Press, 2021*
EBBEKE, Klaus, Sprachfindung. Studien zum Spätwerk Bernd Alois Zimmermanns. Schott, 1986
GRUHN, Wilfried, “Integrale Komposition. Zu Bernd Alois Zimmermanns Pluralismus-Begriff”. Archiv für Musikwissenschaft, vol. 40 (1983), pp. 287-302
HELLEU, Laurence, “Les Soldats de Bernd Alois Zimmermann”; une approche scénique. Éditions mf, 2011
HIEKEL, Jörn Peter, Bernd Alois Zimmermanns “Requiem für einen jungen Dichter”. Franz Steiner, 1995
KONOLD, Wulf, Bernd Alois Zimmermann (1986). Michel de Maule, 1998
KORTE, Oliver, “Zu Bernd Alois Zimmermanns später Reihentechnik”. Musiktheorie, vol. 15 (2001), pp. 19-39
LOSADA, C. Catherine, “Between Modernism and Postmodernism: Strands of Continuity in Collage Compositions by Rochberg, Berio, and Zimmermann”. Music Theory Spectrum, vol. 31, n.º 1 (2009), pp. 57-100
WENZEL, Silke, Text als Struktur. Der Kohelet im Werk Bernd Alois Zimmermanns. Weidler, 2001
ZIMMERMANN, Bernd Alois, Écrits. Editado por Philippe Albèra. Contrechamps, 2010
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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La aportación del compositor francés a la historia de la música es el espectralismo—teoría musical que desarrolla junto a Tristan Murail y Hughes Dufourt en torno al Ensamble L’Itineraire—, que se basa en la descomposición espectral del sonido, inclinándose hacia la naturaleza propia del timbre.
_____Has escuchado
Anubis-Nout. I. Anubis [très précis] (1983). Ernesto Molinari, clarinete contrabajo. Kairos (2005)
Le Noir de l’Étoile: pour six percussionistes diposés autour du public, bande magnétique et transmission in situ de signaux astronomiques (1989-1990) / texto de Jean-Pierre Luminet. Les Percussions de Strasbourg. Accord (2004)
Quatre chants pour franchir le seuil (1997-1998). Catherine Dubosc, soprano; Klangforum Wien; Sylvain Cambreling, director. Kairos (2001)
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Selección bibliográfica
BAILLET, Jérôme, Gérard Grisey: fondements d’une écriture. L’Harmattan, 2000
BROWN, Jeffrey Arlo, The Life and Music of Gérard Grisey: Delirium and Form. University of Rochester Press, 2023
CAGNEY, Liam, Gérard Grisey and Spectral Music: Composition in the Information Age. Cambridge University Press, 2023*
COHEN-LEVINAS, Danielle , “Gérard Grisey: du spectralisme formalisé au spectralisme historisé”. En: Vingt-cinq ans de création musicale contemporaine. L’Harmattan, 1998
COHEN-LEVINAS, Danielle (ed.), Le temps de l’écoute: Gérard Grisey ou la beauté des ombres sonores. L’Harmattan, 2004
COSSETTINI, Luca y Angelo Orcalli, Diffractions: analyse de l’œuvre musicale mixte: “Jour, Contre-Jour”de Gérard Grisey. L’Harmattan, 2018
FÉRON, François-Xavier, “The Emergence of Spectra in Gérard Grisey’s Compositional Process: from Dérives (1973-1974) to Les espaces acoustiques (1974-1985)”. Contemporary Music Review, vol. 30, n.º 5 (2012), pp. 343-375
GRISEY, Gérard, Écrits. Editado por Guy Lelong con la colaboración de Anne-Marie Réby. Éditions MF, 2008
HASEGAWA, Robert, “Gérard Grisey and The ‘Nature’ of Harmony”. Music Analysis, vol. 28, n.º 2-3 (2009), pp. 349-371
HENNESSY, Jeffrey J., “Beneath the Skin of Time: Alternative Temporalities in Grisey’s Prologue for Solo Viola”. Perspectives of New Music, vol. 47, n.º 2 (2009), pp. 36-58*
HERVÉ, Jean-Luc, Dans le vertige de la durée: “Vortex Temporum” de Gérard Grisey. L’Harmattan, 2001
KRIER, Yves, “Partiels, de Gérard Grisey, manifestation d’une nouvelle esthétique”. Musurgia, vol. 7, n.º 3-4 (2000), pp. 145-172*
MOSCOVICH, Viviana, “French Spectral Music: An Introduction”. Tempo, n.º 200 (1997), pp. 21-27*
SOLOMOS, Makis (ed.), Iannis Xenakis, Gérard Grisey. La métaphore lumineuse. L’Harmattan, 2003
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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Saknas det avsnitt?
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A lo largo de la historia de la música el sistema de afinación no siempre ha sido el mismo. En la música occidental la escala actual divide la octava en 12 partes o semitonos iguales. Sin embargo, existen otras realidades de sistematización sonora.
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Has escuchado
Hyperchromatica. Orbital Resonance (2015) / Kyle Gann. Tres pianos Disklaviers. Other Minds (2018)
Just Constellations. I. The Opening Constellation: Summer (2016) / Michael Harrison. Roomful of Teeth. New Amsterdam Records (2020)
“Ombak Atarung”. PADMA (Ako and Shiroshima). YouTube Vídeo. Publicado por Padma Balinese Gender Wayang, 24 de marzo de 2017: https://www.youtube.com/watch?v=lqoh4ELiKoQ
Prisma Interius VIII (2018) / Catherine Lamb. Harmonic Space Orchestra. Sacred Realism (2020)
“Superposición de ondas. 2 (batidos o pulsaciones)”. YouTube Vídeo. Publicado por Física-No me salen, 5 de noviembre de 2020: https://www.youtube.com/watch?v=gvlp7Fv9NkM
Tres danzas para dos pianos preparados. Primera danza / John Cage. Atlantic Piano Duo (Sophia Hase y Eduardo Ponce). Grabación sonora realizada en directo en el tercer concierto del ciclo Matemática Musical en la Fundación Juan March, el 30 de noviembre de 2011
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Selección bibliográfica
BOSANQUET, Robert H. M., An Elementary Treatise on Musical Intervals and Temperament. Hansebooks GmbH, 2020
FONVILLE, John, “Ben Johnston’s Extended Just Intonation: A Guide for Interpreters”. Perspectives of New Music, vol. 29, n.º 2 (1991), pp. 106-137*
GANN, Kyle, The Arithmetic of Listening: Tuning Theory and History for the Impractical Musician. University of Illinois Press, 2019*
GILMORE, Bob, “Changing the Metaphor: Ratio Models of Musical Pitch in the Work of Harry Partch, Ben Johnston, and James Tenney”. Perspectives of New Music, vol. 33, n.º 1-2 (1995), pp. 458-503*
GOLDÁRAZ, J. Javier, Afinación y temperamento en la música occidental. Alianza Editorial, 1992*
GRIBENSKI, Fanny, Tuning the World: The Rise of 440 Hertz in Music Science & Politics 1859-1955. University of Chicago Press, 2023
JOHNSTON, Ben, “Maximum Clarity” and Other Writings on Music. University of Illinois Press, 2007*
KEISLAR, Douglas, “Six American Composers on Nonstandard Tunings”. Perspectives of New Music, vol. 29, n.º 1 (1991), pp. 176-211*
NARUSHIMA, Terumi, Microtonality and the Tuning Systems of Erv Wilson. Routledge, 2019*
PARTCH, Harry, Genesis of a Music: An Account of a Creative Work Its Roots and Its Fulfillments. Da Capo Press, 1979*
SABAT, Marc, “Pantonality Generalised: Ben Johnston’s Artistic Researches in Extended Just Intonation”. Tempo, vol. 69, n.º 272 (2015), pp. 24-37*
WANNAMAKER, Rob, The Music of James Tenney. University of Illinois Press, 2001*
WERNTZ, Julia, “Adding Pitches: Some New Thoughts, Ten Years after Perspectives of New Music’s Forum: Microtonality Today”. Perspectives of New Music, vol. 39, n.º 2 (2001), pp. 159-210*
WOOD, James, “Microtonality: Aesthetics and Practicality”. The Musical Times, vol. 127, n.º 1719 (1986), pp. 328-330*
YOUNG, Gayle, “The Pitch Organization of Harmonium for James Tenney”. Perspectives of New Music, vol. 26, n.º 2 (1988), pp. 204-212*
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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Siendo una niña, durante la revolución cultural maoísta, se ve obligada a vivir en una granja de reeducación, a la que consigue llevarse su violín. Años después, ya producido el grueso de una obra inspirada en las costumbres y renovadora de la música folclórica china, es posiblemente la compositora asiática más conocida del mundo.
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Has escuchado
“Chen Yi: Ba Ban (1999)”. Qing Nadia Feeken, piano. YouTube Vídeo. Publicado por mdr9999, 20 de febrero de 2022: https://www.youtube.com/watch?v=kcc4vfBpiJ0
“Chen Yi: Chinese Ancient Dances (2004)”. Intérpretes: Mingzhe Wang, clarinete; Jessica Osborne, piano. YouTube Vídeo. Publicado por Mingzhe Wang, 1 de noviembre de 2013: https://www.youtube.com/watch?v=2EPhtjTw3h4
“Chen Yi: Ge Xu (1994)”. Foundation Philharmonic Orchestra; David Snell, director. YouTube Vídeo. Publicado por TheWelleszCompany, 28 de agosto de 2011: https://www.youtube.com/watch?v=xyf9XeaHMks
“Chen Yi: Guessing (1989)”. Qing Nadia Feeken, piano. YouTube Vídeo. Publicado por mdr9999, 20 de febrero de 2022: https://www.youtube.com/watch?v=urGB9me3Hso
Spring in Dresden: For Violin and Orchestra (2005). Mira Wang, violín; Boston Modern Orchestra Project; Gil Rose, director. BMOP/sound (2018)
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Selección bibliográfica
MILLER, Leta, “Beneath the Hybrid Surface: Baban as a Tool for Self-Definition in the Music of Chen Yi”. American Music, vol. 37, n.º 3 (2019), pp. 330-357*
MILLER, Leta y J. Michele Edwards, Chen Yi. University of Illinois Press, 2020
RAO, Nancy Yunwha, “Hearing Pentatonicism Through Serialism: Integrating Different Traditions in Chinese Contemporary Music”. Perspectives of New Music, vol. 40, n.º 2 (2002), pp. 190-231*
YE, Bai, “Conceptual Models of Chinese Piano Music Integration into the Space of Modern Music”. International Review of the Aesthetics and Sociology of Music, vol. 49, n.º 1 (2018), pp. 137-148*
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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Poseedor de un lenguaje propio de Xenakis que conecta arquitectura y música a nivel estructural propone, con la música estocástica, la utilización de estructuras matemáticas en la praxis compositiva. Desarrolla el sistema UPIC y es pionero en el uso del algoritmo en la composición musical.
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Has escuchado
La Légende d’Eer. Nuevo remix en estéreo, a partir de la cinta original de siete canales, realizada del 3 al 4 de junio de 2004 por Gerard Pape. Mode (2005)
Metastaseis (1953-1954). SWF Symphony Orchestra; Hans Rosbaud, director. Col Legno (2000)
Oresteïa. Les Euménides (1965-1966, rev. 1989). L’Ensemble de Basse-Normandie; Dominique Debart, director; Ensemble Vocal d’Anjou; Robert Weddle, director de coros. Salabert Actuels (1990)
Pléïades. Métaux (1978). Les Pléiades; Sylvio Gualda, director. Erato (1992)
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Selección bibliográfica
BARTHEL-CALVET, Anne-Sylvie, “MÉTASTASSIS-Analyse: un texte inédit de Iannis Xenakis sur Metastasis”. Revue de Musicologie, vol. 89, n.º 1 (2003), pp. 129-187*
CASTANET, Pierre Albert, “We Must Open Our Ears and Eyes”: A Philosophical Lesson from the Polymath Iannis Xenakis”. Itamar. Revista de investigación musical: territorios para el arte, n.º 9 (2023), pp. 95-106
DI SCIPIO, Agostino, “Compositional Models in Xenakis’s Electroacoustic Music”. Perspectives of New Music, vol. 36, n.º 2 (1998), pp. 201-243*
GIBSON, Benoît, The Instrumental Music of Iannis Xenakis: Theory, Practice, Self-Borrowing. Pendragon Press, 2011
HARLEY, James, “The String Quartets of Iannis Xenakis”. Tempo, n.º 203 (1998), pp. 2-10*
—, Xenakis. His Life in Music. Routledge, 2004
HARLEY, Maria Anna, “Music of Sound and Light: Xenakis’s Polytopes”. Leonardo, vol. 31, n.º 1 (1998), pp. 55-65*
HILL, Peter, “Xenakis and the Performer”. Tempo, n.º 112 (1975), pp. 17-22*
JONES, Evan, “Residue-Class Sets in the Music of Iannis Xenakis: An Analytical Algorithm and a General Intervallic Expression”. Perspectives of New Music, vol. 39, n.º 2 (2001), pp. 229-261*
KANACH, Sharon, “Xenakis’s Hand, or The Visualization of the Creative Process”. Perspectives of New Music, vol. 40, n.º 1 (2002), pp. 190-197*
KANACH, Sharon (ed.), Performing Xenakis. Pendragon Press, 2010
KIOURTSOGLOU, Elisavet, “An Architect Draws Sound and Light: New Perspectives on Iannis Xenakis’s Diatope and La Légende d’Eer (1978)”. Computer Music Journal, vol. 41, n.º 4 (2017), pp. 8-31*
LIZ, Ángel, “La alianza artes/ciencias a través de la obra de Iannis Xenakis”. Quodlibet: Revista de Especialización Musical, n.º 39 (2007), pp. 98-114*
LUQUE, Sergio, “The Stochastic Synthesis of Iannis Xenakis”. Leonardo Music Journal, vol. 19 (2009), pp. 77-84*
MÂCHE, François-Bernard, Portrait(s) de Iannis Xenakis. Bibliothèque Nationale de France, 2002
MARCO ARAGÓN, Tomás, “Xenakis o la implacabilidad de la idea”. En: Jesús Villa Rojo (coord.), Músicas actuales: ideas básicas para una teoría. Ikeder, 2008*
NAKIPBEKOVA, Alfia (ed.), Exploring Xenakis: Performance, Practice, Philosophy. Vernon Press, 2019
PAPE, Gérard, Iannis Xenakis and the Ethics of Absolute Originality. UTEURP, 2023
PARDO, Salgado, “El sonido cinemático. Iannis Xenakis”. En: Begoña López Herranz (coord.), Campos interdisciplinares de la musicología: V Congreso de la Sociedad Española de Musicología (Barcelona, 25-28 de octubre de 2000). Sociedad Española de Musicología, 2002*
PECK, Robert W., “Toward an Interpretation of Xenakis’s Nomos Alpha”. Perspectives of New Music, vol. 41, n.º 1 (2003), pp. 66-118*
REYNOLDS, Roger, “Xenakis:… Tireless Renewal at Every Instant, at Every Death…”. Perspectives of New Music, vol. 41, n.º 1 (2003), pp. 4-64*
REYNOLDS, Roger y Karen Reynolds, Xenakis Creates in Architecture and Music: The Reynolds Desert House. Routledge, 2022
SERRA, Marie-Hélène, “Stochastic Composition and Stochastic Timbre: GENDY3 by Iannis Xenakis”. Perspectives of New Music, vol. 31, n.º 1 (1993), pp. 236-257*
SOLOMOS, Makis, Iannis Xenakis. P. O. Éditions, 1996
—, “El universo de la sonoridad en Xenakis”. Quodlibet: Revista de Especialización Musical, n.º 10 (1998), pp. 3-18*
—, “The Unity of Xenakis’s Instrumental and Electroacoustic Music: The Case for ‘Brownian Movements’”. Perspectives of New Music, vol. 39, n.º 1 (2001), pp. 244-254*
—, “De l’apollinien et du dionysiaque dans les écrits de Xenakis”. En: Formel, informel: musique-philosophie. Editado por Makis Solomos, Antonia Soulez y Horacio Vaggione. L’Harmattan, 2003
SOLOMOS, Makis (ed.), Iannis Xenakis: la musique électroacoustique. L’Harmattan, 2015
SOUSTER, Tim, “Xenakis’s Nuits”. Tempo, n.º 85 (1968), pp. 5-18*
STERKEN, Sven, “Towards a Space-Time Art: Iannis Xenakis’s Polytopes”. Perspectives of New Music, vol. 39, n.º 2 (2001), pp. 262-273*
VARGA, Bálint A., Conversations with Iannis Xenakis. Faber and Faber, 1996
XENAKIS, Iannis, Formalized Music: Thought and Mathematics in Composition. Pendragon Press, 1992
—, Música de la arquitectura. Akal, 2009*
XENAKIS, Iannis et al., “Xenakis on Xenakis”. Perspectives of New Music, vol. 25, n.º 1-2 (1987), pp. 16-63*
XENAKIS, Iannis y Bálint András Varga, Conversations with Iannis Xenakis. Faber and Faber, 1996
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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Hasta bien entrado el siglo XX, las ideas musicales se exponen de acuerdo con un desarrollo ordenado según una estructura previamente estudiada, escrita o planteada. Mediado el siglo, algunos compositores se acogen a una tendencia que deja margen al indeterminismo, la flexibilidad y el azar.
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Angelica Music. Exercise 10 (1973-1974) / Christian Wolff. Apartment House; Christian Wolff, melódica. I Dischi di Angelica (2015)
Aus den sieben Tagen. Liaison (1968) / Karlheinz Stockhausen. Ensemble Musique Vivante; Diego Masson, director. Harmonia Mundi (1988)
HPSCHD. Solo VII: For Harpsichord & Computer-Generated Sound Tapes (1967) / John Cage y Lejaren Hiller. Jukka Tiensuu, clave. Ondine (1999)
Pithoprakta (1956) / Iannis Xenakis. Orchestre philharmonique du Luxembourg; Arturo Tamayo, director. Timpani (2008)
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Selección bibliográfica
ADORNO, Theodor W., “Vers une musique informelle”. En: Escritos Musicales I-III, vol. 16. Akal, 2006*
BEHRMAN, David, “What Indeterminate Notation Determines”. Perspectives of New Music, vol. 3, n.º 2 (1965), pp. 58-73*
BOULEZ, Pierre, “Alea”. Perspectives of New Music, vol. 3, n.º 1 (1964), pp. 42-53*
CARDEW, Cornelius, Scratch Music. The MIT Press, 1974
CHARLES, Daniel, “L’interprète et le hasard”. Musique en Jeu, n.º 3 (1971), pp. 45-51*
DELIÈGE, Célestin, “Indétermination et improvisation”. IRASM, vol. 2 (1971), pp. 155-191
HARBINSON, William G., “Performer Indeterminacy and Boulez’s Third Sonata”. Tempo, n.º 169 (1989), pp. 16-20*
JENSEN, Marc G., “John Cage, Chance Operations, and the Chaos Game: Cage and the I Ching”. The Musical Times, vol. 150, n.º 1907 (2009), pp. 97-102*
MEDINA, Ángel, “Apuntes sobre la recepción de la música abierta en España”. Anuario Musical, n.º 51 (1996), pp. 217-232*
MORO VALLINA, Daniel, “Aleatoriedad y flexibilidad en la vanguardia musical española”. Actas do I Encontro Iberoamericano de Jovens Musicólogos (2012), pp. 236-248: [PDF]
NIETO, Velia, “La forma abierta en la música del siglo XX”. Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas, vol. 30, n.º 92 (2008), pp. 191-203
O’GRADY, Terence J., “Aesthetic Value in Indeterminate Music”. The Musical Quarterly, vol. 67, n.º 3 (1981), pp. 366-381*
PEYROU, Mariano, Oídos que no ven. Taurus, 2022
POLO PUJADAS, Magda y Josep Maria Mestres Quadreny, Pensamiento y música a cuatro manos: la creatividad musical en los siglos XX y XXI. Universidad de Murcia, Servicio de Publicaciones, 2015*
REYNOLDS, Roger, “Indeterminacy: Some Considerations”. Perspectives of New Music, vol. 4, n.º 1 (1965), pp. 136-140*
TRENKAMP, Anne, “The Concept of Alea in Boulez’s Constellation-Miroir”. Music & Letters, vol. 57, n.º 1 (1976), pp. 1-10*
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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El compositor de Berna (Idaho) es reconocido como el primer compositor minimalista y uno de los máximos exponentes de la vanguardia estadounidense, aparte de la música drone. Adepto a las performances, que conoce tras su paso por Fluxus, llega a componer obras con solo una nota.
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Has escuchado
31 VII 69 10:26 - 10:49 PM (A Section of Map of 49’s Dream the Two Systems of Eleven Sets of Galactic Intervals Ornamental Lightyears Tracery). La Monte Young y Marian Zazeela, gongs frotados. Edition X (1969)
The Melodic Version (1984) of The Second Dream of The High-Tension Line Stepdown Transformer 90 XII 9 c. 9:35 - 10:52 PM NYC. Rich Clymer, Pamela Fleming, James O’Connor, James Donato, Ben Neill, Gary Trosclair, Richard Kelley, Stephen Burns, trompetas. Gramavision (1991)
The Well-Tuned Piano “87 V 10 6:43:00 PM - 87 V 11 01:07:45 AM NYC”. La Monte Young, piano. Just Dreams (2018)
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Selección bibliográfica
CARDEW, Cornelius, “One Sound: La Monte Young”. The Musical Times, vol. 107, n.º 1485 (1966), pp. 959-960*
DONGUY, Jacques, La Monte Young: Inside of Sounds. Éditions Aedam Musicae, 2016
DUCKWORTH, William y Richard Fleming (eds.), Sound and Light: La Monte Young and Marian Zazeela. Bucknell University Press, 2012
GANN, Kyle, “La Monte Young’s The Well-Tuned Piano”. Perspectives of New Music, vol. 31, n.º 1 (1993), pp. 134-162*
GHOSN, Joseph, La Monte Young: une biographie suivie d’une discographie sélective sur le minimalisme. Le Mot et le Reste, 2010*
GRIMSHAW, Jeremy Neal, Draw a Straight Line and Follow It: The Music and Mysticism of La Monte Young. Oxford University Press, 2012
POTTER, Keith, Four Musical Minimalists: La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass. Cambridge University Press, 2002*
SOLARES, Juan María, “El trío serial de La Monte Young”. Doce Notas Preliminares: Revista de Música y Arte, n.º 17 (2006), pp. 112-142*
YOUNG, La Monte, “Lecture 1960”. The Tulane Drama Review, vol. 10, n.º 2 (1965), pp. 73-83
YOUNG, La Monte y Marian Zazeela, Selected Writings. Heiner Friedrich, 1969
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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El compositor, formado entre su Ecuador natal, Nueva York, Buenos Aires y Alemania, trabaja con Stockhausen entre 1968 y 1972, y viaja a Japón para presentar su música en el pabellón alemán de la Expo 70deOsaka.Aporta a la escena experimental sonoridades populares latinoamericanas y ecos amazónicos.
_____Has escuchado
“A Mouthpiece, para 6 vocalistas y electrónica”. YouTube Vídeo. Publicado por Mesías Maiguashca, 19 de junio de 2022: https://www.youtube.com/watch?v=Vzcnz-zfU7s
Ayayayayay: For Magnetic Tape (1971). Buh Records (2021)
“Chulyadas-tarkyadas-sikuryadas (2010-2011)”. Soundcloud. Publicado por OEIN (Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos), 20 de abril de 2021: https://soundcloud.com/oein/chulyadas-tarkyadas-sikuryadas-2010-2011-mesias-maiguashca
“Nemos Orgel”. YouTube Vídeo. Publicado por Release-Topic, 15 de abril de 2021: https://www.youtube.com/watch?v=yKFBZBMex2U
“ÜBUNGEN, Gaby Schumacher Violoncello, Mesias Maiguashca, Synthesizer”. YouTube Vídeo. Publicado por Mesías Maiguashca, 7 de febrero de 2017: https://www.youtube.com/watch?v=t5926Y0_tSA
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Selección bibliográfica
ÁLVAREZ-TORRES YÉPEZ, José Antonio, Tratamiento electroacústico de objetos sonoros en obras de Mesías Maiguashca. Tesis doctoral, Universidad de Cuenca (Ecuador), 2017
BAYO MAESTRE, Norberto, “Contexto sonoro expandido en el pensamiento equinoccial contemporáneo”. Escena: Revista de las Artes, vol. 87, n.º 1 (2018), pp. 83-97
GARCÍA MONCADA, Jorge Gregorio, “The Role of Symbolism as a Vehicle of Identity in the Music of Mesías Maiguashca”. A Contratiempo: Revista de Música en la Cultura, n.º 21 (2013), p. 4
MAIGUASHCA, Mesías, “La Canción de la Tierra: An Itinerary, on the Occasion of Its Premiere on June 21, 2013”. Review: Literature and Arts of the Americas, n.º 46 (2013), pp. 288-292
MOLERIO ROSA, Arleti, “Los enemigos, de Mesías Maiguashca”. Cuadernos de análisis y debate sobre músicas latinoamericanas contemporáneas, n.º 1 (2018), pp. 37-61
RODRÍGUEZ, Edgardo José, “Dos versiones de lo latinoamericano en obras de M. Etkin y M. Maiguashca”. Arte e Investigación, n.º 19 (2021), s. n.
VANEGAS, Bolívar Ávila, “… elé… Fantasía sobre Tránsito Amaguaña. Mesías Maiguashca, la guitarra y la comunidad”. Estudios sobre Arte Actual, n.º 9 (2021), pp. 227-238
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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Dos factores van a marcar su carrera en la música de esta compositora tártara: uno, la profundidad religiosa de sus composiciones: el otro, las diferencias con la censura del régimen soviético. Recurre a la música electrónica y la mezcla con canciones populares, instrumentos tradicionales y occidentales.
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Has escuchado
Et Exspecto: Sonata for Bayan (1986). Friedrich Lips, bayán. Melodiya (1991)
Preludes. Con sordino-Senza sordino (1974). Daniele Roccato, contrabajo. WERGO (2013)
Sieben Worte (1982). Boris Pergamenschikow, violonchelo; Elsbeth Moser, bayán; Münchener Kammerorchester; Christoph Poppen, director. ECM (2002)
Sonnengesang (1997-1998). Ivan Monighetti, violonchelo; Elbtonal Percussion; NDR Chor. BIS (2016)
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Selección bibliográfica
HAMRICK BROWN, Malcolm, Sofia Gubaidulina: A Biography. Indiana University Press, 2007
IVASHKIN, Alexander, “John Cage in Soviet Russia”. Tempo, vol. 67, n.º 266 (2013), pp. 18-27
KURTZ, Michael, Sofia Gubaidulina eine Biographie. Urachhaus, 2001
LOCHHEAD, Judy, “Difference Inhabits Repetition: Sofia Gubaidulina’s String Quartet No. 2”. En: Analytical Essays on Music by Women Composers: Concert Music, 1960-2000. Editado por Laurel Parsons y Brenda Ravenscroft. Oxford University Press, 2016*
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MAHOLETTI, Irina, Musikalisches Spielzeug von Sofia Gubaidulina: Analyse des Klavierzyklus. AV Akademikerverlag, 2013
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*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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La historia de la música no depara un lugar de importancia a esta manifestación sonora hasta 1913, año del manifiesto de Russolo que preconiza los intonarumori o máquinas de ruido. Mucho más tarde despierta el ruidismo en Japón y en la escena del rock alternativo.
_____Has escuchado
An Anthology of Noise & Electronic Music. Third A-Chronology 1952-2004 / Peter Rehberg (Pita). Sub Rosa (2004)
Doing by not doing: [Iannis Xenakis. Persepolis + Remixes. Edition I] / Zbigniew Karkowski. Asphodel (2002)
Acid Bath, Drip Bones: [Ju-Jikan: 10 Hours of Sound from Japan] / Pain Jerk. 23five; San Francisco Museum of Modern Art (2002)
“Luigi Russolo, Intonarumoris, 1913”. YouTube Vídeo. Publicado por david rato, 1 de julio de 2012: [Vídeo]
Minazo Volume 1. Voices from the Sea / Merzbow (Masami Akita). Important Records (2006)
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Selección bibliográfica
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*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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Compositor, artista conceptual y performer, es el primer español que crea una obra serial en el Festival Internacional de Nueva Música de Darmstadt. Además, es autor de la primera obra electroacústica española. Funda el grupo de acción-teatro musical Zajcon Walter Marchetti.
_____Has escuchado
Concierto ZAJ para 30 o 60 voces / Esther Ferrer. CAC Brétigny (2012)
Rrose Sélavy (Quintetto) (1975) / Juan Hidalgo. Juan Hidalgo, instrumentos interpretados grabados mediante multipistas. Cramps Records (1977)
Ukanga (1957) / Juan Hidalgo. Grupo Círculo; José Luis Temes, director. EMEC (1997)
“Zaj (Fluxus) en el No-Do 1965”. YouTube Vídeo. Publicado por Raúl, 1 de agosto de 2017:
https://www.youtube.com/watch?v=ahUJmP-WM8U
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Selección bibliográfica
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DÍAZ CUYAS, José, “Juan Hidalgo: ¡responde!”. La Balsa de la Medusa, n.º 19-20 (1991), pp. 177-180
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JIMÉNEZ, Carlos, “Entrevista con Juan Hidalgo”. Lápiz: revista internacional de arte, n.º 56 (1989), pp. 43-49
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LUNA DELGADO, Diego, Zaj: arte y política en la estética de lo cotidiano. Athenaica, 2016
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SAN MARTÍN MARTÍNEZ, Francisco Javier, “Entrevista con Esther Ferrer”. Lápiz: revista internacional del arte, n.º 156 (1999), pp. 39-48
SARMIENTO, José Antonio, Críticas a un concierto Zaj. Ediciones +/- 491, 1991*
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VALCÁRCEL MEDINA, Isidoro, “Juan Hidalgo”. Lápiz, vol. 12, n.º 99-101 (1994), pp. 56-63
VILLASOL, Carlos, “Cuatro apuntes sobre Juan Hidalgo”. Músicas actuales: ideas básicas para una teoría. Editado por Jesús Villa Rojo. Ikeder, 2008*
ZAJ: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 23 de enero al 21 de marzo de 1996 [Catálogo de exposiciones]. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 1996*
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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Marcado en un principio por John Cage, de quien incorpora la aleatoriedad y los sistemas alternativos de notación musical, el compositor norteamericano evoluciona hacia obras cada vez más extensas y minimalistas que requieren—o proponen—la suspensión del tiempo.
_____Has escuchado
Neither (1977) / textos de Samuel Beckett. Petra Hoffmann, soprano; Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks; Kwamé Ryan, director. Col Legno (2000)
Patterns in a Chromatic Field (1981). Arne Deforce, violonchelo; Yutaka Oya, piano. Aeon (2008)
Piece for Four Pianos (1957). David Tudor, Edwin Hymovitz, Morton Feldman, Russell Sherman, pianos. Edition RZ (2007)
String Quartet II (1983). Ives Ensemble. hat[now]ART (2007)
The King of Denmark (1964). Max Neuhaus, percusión. Sony (2013)
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Selección bibliográfica
BEAL, Amy C., “Time Canvasses: Morton Feldman and the Painters of the New York School”. En: Music and Modern Art. Editado por James Leggio. Routledge, 2002*
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FELDMAN, Morton, Écrits et paroles. Editado por Jean-Yves Bosseur. L’Harmattan, 1998
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—, Morton Feldman Says. Selected Interviews and Lectures, 1964-1987. Editado por Chris Villars. Hyphen Press, 2006
—, Pensamientos verticales. Caja Negra, 2012
GAREAU, Philip, La musique de Morton Feldman ou le temps en liberté. L’Harmattan, 2006
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VOLANS, Kevin, “What is Feldman?”. Tempo, vol. 68, n.º 270 (2014), pp. 7-14
ZIMMERMANN, Walter, “Entretien avec Morton Feldman”. En: Musiques en création. Editado por Philippe Albèra. Contrechamps, 1997*
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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Junto a Pauline Oliveros y Ramón Sender funda en 1961el San Francisco Tape Music Center, primer estudio de la Costa Oeste dedicado a la música experimental. Cinco años más tarde, crea el primer disco electrónico jamás grabado, “Silver Apples of the Moon”.
_____Has escuchado
The Other Piano. Lullaby: For Piano & Live Electronics (2007). Soojin Anjou, piano; Morton Subotnick, electrónica. Mode (2019)
Silver Apples of the Moon. Part A (1967). WERGO (1994)
The Wild Beasts. After the Butterfly (1978). Conjunto instrumental dirigido por Subotnick. WERGO (2015)
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Selección bibliográfica
BERNSTEIN, David, The San Francisco Tape Music Center: 1960s Counterculture and the Avant-garde. University of California Press, 2008
CLEMAN, Tom y Morton Subotnick, “Parallel Lines for Solo Piccolo with "Ghost Electronics" and Nine Players”. Notes, n.º 40 (1983), p. 404
DAVISON, Stephen, “All My Hummingbirds Have Alibis, Multimedia CD-ROM for Macintosh by Morton Subotnick” [Reseña]. Notes, n.º 53 (1996), p. 530-533*
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—, “Nurturing Young Composers: Morton Subotnick’s Late-1960s Studio in New York City”. Computer Music Journal, vol. 36, n.º 1 (2012), pp. 65-80*
HANSON, Jeffrey, Morton Subotnick's Ghost Scores: Interaction and Performance with Music Technology. TFM, San Jose State University, 2010
MACHOVER, Tod, “Interview with Morton Subotnick”. Contemporary Music Review, vol. 13, n.º 2 (1996), pp. 3-11*
ROADS, Curtis, “Interview with Morton Subotnick”. Computer Music Journal, vol. 12, n.º 1 (1988), pp. 9-18*
ROADS, Curtis y Morton Subotnick, “A Sky of Cloudless Sulfur/After the Butterfly”. Computer Music Journal, n.º 5 (1981), p. 81
SUBOTNICK, Morton, “Extending the Stuff Music is Made of”. Music Educators Journal, n.º 55 (1968), pp. 109-110
—, “The Use of the Buchla Synthesizer in Musical Composition”. Journal of The Audio Engineering Society (1970), s/n
—, “The use of computer technology in an interactive or “Real time” performance environment”. Contemporary Music Review, n.º 18 (1999), pp. 113-117
WHIPPLE, Harold W., “Beasts and Butterflies: Morton Subotnick's Ghost Scores”. The Musical Quarterly, vol. 69, n.º 3 (1983), pp. 425-441*
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*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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Su trabajo sonoro se mueve entre las músicas de improvisación y la experimentación electrónica, abarcando también el soundscape y la instalación sonora. Es creador del“ Método de Composición Objetiva” (MCO), un sistema para componer música con el recurso del azar.
_____Has escuchado
El blando recibo de las especies. Épica de los oligoelementos. Zanfonia, Hrönir (1999)
Clarinets: catàleg d'usos simbòlies. El concepte branquial de la vista. Víctor Nubla, clarinete, clarinete bajo y requinto. Hrönir (2007)
Neige. Grabación sonora realizada en directo en el MACBA. Hrönir (2002)
Seven Harbour Scenes. Distant Lighthouse from the Village. Hrönir (2002)
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Selección bibliográfica
ACEVEDO, Carlos, “Entrevista a Víctor Nubla: esta vez tendrían que volver juntos el punk, la ciencia y la filosofía”. Quimera: Revista de literatura, n.º 343 (2012), pp. 32-39
AGIRIANO, Txema y Noé Cornago (eds.), MEM codex. T. Agiriano, 2002
BARBER, Llorenç y Montserrat Palacios. La mosca tras la oreja: de la música experimental al arte sonoro en España. Fundación Autor, 2009*
GONZALO, Jaime, “Macromassa. Todavía a salvo del exilio interior”. Jaime Gonzalo [Blog], (2010), consultado el 21 de junio de 2023: [Web]
—, La ciudad secreta. Munster Books, 2013*
RICO, Joan, "Víctor Nubla, la independència del cercador". Benzina: Revista d'excepcions culturals, n.º 32 (2008), pp. 40-41
ZABALLA, Bel, "Música experimental: ser profetes a casa". Mirmanda: revista de cultura, n.º 14 (2019), pp. 54-57*
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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Bajo el contexto inicial de las artes plásticas se produce de modo natural la traslación, o mejor la ampliación, al arte de la música. Como en otras artes, también en la creación musical se impone esa idea del ‘menos es más’. Aquí, más que de un estilo hablamos de una filosofía.
_____Has escuchado
The Descending Moonshine Dervishes (1975) / Terry Riley. Kuckuck (1992)
The Electric Harpsichord (1976) / Catherine Christer Hennix. Die Schachtel (2010)
Music for 18 Musicians. Section IIIA (1976) / Steve Reich. Ensemble Links; Rémi Durupt, director. Kairos (2020)
Strumming for harpsichord (1977) / Charlemagne Palestine. San Francisco Conservatory of Music. Sub Rosa (2010)
Trio for strings (1958-2015) / La Monte Young. The Theatre of Eternal Music (Charles Curtis, violonchelo; Reynard Rott, violonchelo; Erik Carlson, violín y viola; Christopher Otto, violín y viola). Dia Art Foundation (2021)
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Selección bibliográfica
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ÉTIENNE, Yvan (ed.), Phill Niblock: Working Title. Les Presses du Réel Edition, 2012
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*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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La artista y performer de Little Rock (Arkansas) asocia su nombre a Fluxus, al video artista Nam June Paik y a la creatividad más libre. El conservadurismo de la época la condena por tocar semidesnuda su violonchelo; la Historia de la Música y del Arte reconocen su audacia.
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Has escuchado
“AVANT GARDE MUSIC-SOUND” : [26 Minutes, one point, 1,499 seconds for a string player de John Cage interpretada por Charlotte Moorman]. YouTube Vídeo. Publicado por British Movietone, 21 de julio de 2015: https://www.youtube.com/watch?v=pq0a317mk30
“Charlotte Moorman performs with Paik’s ‘TV cello’”: [Art Gallery of New South Wales, 1976]. YouTube Vídeo. Publicado por PERFORMANCELOGIA, 4 de mayo de 2011: https://www.youtube.com/watch?v=-9lnbIGHzUM
“Charlotte Moorman: ‘TV-Bra for Living Sculpture’ (1969) y ‘Chamber Music’ (1969)”: [grabación en vivo de la “Muestra de Video del Festival de Caracas de 1969 con las obras de Nam June Paik y de Takehisa Kosugi interpretadas por Moorman]. YouTube Vídeo. Publicado por PERFORMANCELOGIA, 3 de junio de 2012: https://www.youtube.com/watch?v=_5WSoK5_Qao
“‘The Originale’ Charlotte Moorman and Nam June Paik by Fred Stern”. YouTube Vídeo. Publicado por fred stern, 19 de octubre de 2009: https://www.youtube.com/watch?v=-yzzAopn9TE
“Sky Kiss - Linz”: [interpretada por Charlotte Moorman en Linz, Austria, en 1982]. YouTube Vídeo. Publicado por Alex Mirutziu, 4 de junio de 2012: https://www.youtube.com/watch?v=OsSdxlw0c8Y
“Variations on a Theme by Saint-Saens, by Nam Juke Paik”: [interpretada por Charlotte Moorman con ocasión del Sky Art Conference/Ars Electronica en 1982]. YouTube Vídeo. Publicado por Alex Mirutziu, 4 de junio de 2012: https://www.youtube.com/watch?v=1gwUXLcRxHs
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Selección bibliográfica
HANHARDT, John G., “Nam June Paik (1932–2006): Video Art Pioneer”. American Art, vol. 20, n.º 2 (2006), pp. 148-53*
LANDRES, Sophie, “Indecent and Uncanny: The Case against Charlotte Moorman”. Art Journal, vol. 76, n.º 1 (2017), pp. 48-69*
—, “The First Non-Human Action Artist: Charlotte Moorman and Nam June Paik in Robot Opera”. PAJ: A Journal of Performance and Art, vol.40, n.º 1 (2018), pp. 11-25
O’DELL, Kathy, “Fluxus Feminus”. TDR (1988-), vol. 41, n.º 1 (1997), pp. 43-60*
OREN, Michel, “Anti-Art as the End of Cultural History”. Performing Arts Journal, vol. 15, n.º 2 (1993), pp. 1-30*
PIEKUT, Benjamin, "Murder by Cello: Charlotte Moorman Meets John Cage". En: Experimentalism Otherwise: The New York Avant-Garde and Its Limits. University of California Press, 2011
ROBERTS, Eleanor, “Charlotte Moorman and ‘Avant-Garde Music’: A Feminist History of Performance Experimentation”. En: Performance, Subjectivity, and Experimentation. Editado por Catherine Laws. Leuven University Press, 2020
ROTHFUSS, Joan, Topless Cellist: The Improbable Life of Charlotte Moorman. The MIT Press, 2017
SCHMID, Caitlin, “Ice(d) Music/Cello/Bodies: Re-Staging Charlotte Moorman’s Ice Music (1972–2018)”. Twentieth-Century Music vol. 17, n.º 2 (2020), pp. 213-245
WOODS, Nicole L., “‘A Lunatic of the Sacred’: The Life and Work of Charlotte Moorman”. Art Journal vol. 76, n.º 3/4 (2018), pp. 129-133
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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Compositor y director de orquesta polaco, debuta con 26años mostrando tres composiciones que resultan premiadas a la vez. Trabaja con arriesgadas e innovadoras mezclas instrumentales y modificaciones a la formación orquestal, que evolucionan a lo largo de una carrera prolífica y comprometida.
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Has escuchado
Threnody to the Victims of Hiroshima (1960). ORF Radio-Symphonieorchester Wien; Michael Gielen, director. ORFEO (2022)
St. Luke Passion: No. 24. Stabat Mater (1963-1966). Warsaw Philharmonic Choir; K. Penderecki, director. WARNER (2017)
Partita: For Harpsichord and Orchestra (1971). E. Stefanska, clave; Warsaw Philharmonic Orchestra; Antoni Wit, director. NAXOS (2012)
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Selección bibliográfica
BERGÉ, Pieter, et al. “Krzysztof Penderecki: Pools Requiem”. En: Dies Irae: Kroniek van Het Requiem. Leuven University Press, 2021
DICKINSON, Peter, “Polish Music Today”. The Musical Times, vol. 108, n.º 1493 (1967), pp. 596-598*
KOZAK, Mariusz, “Experiencing Structure in Penderecki’s Threnody: Analysis, Ear-Training, and Musical Understanding”. Music Theory Spectrum, vol. 38, n.º 2 (2016), pp. 200-217*
MALECKA-CONTAMIN, Barbara, Krzysztof Penderecki. Style et matériaux. Kimé, 1997
MIRKA, Danuta, “To Cut the Gordian Knot: The Timbre System of Krzysztof Penderecki”. Journal of Music Theory, vol. 45, n.º 2 (2001), pp. 435-456*
MURPHY, Scott, “A Model of Melodic Expectation for Some Neo-Romantic Music of Penderecki”. Perspectives of New Music, vol. 45, n.º 1 (2007), pp. 184-222*
PENDERECKI, Krzysztof, Le labyrinthe du temps: cinq leçons pour une fin de siècle. Les Editions Noir sur Blanc, 1999
SCHWINGER, Wolfram, Krzysztof Penderecki. His life and work. Schott, 1979
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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Las músicas no occidentales forman parte del cambio producido en la música en todos sus parámetros. Entre estas puede hablarse del gagaku japonés, de las músicas chinas asociadas a las tradiciones yayue y suyue, y de las ejecutadas por etnias africanas como los pigmeos.
_____Has escuchado
Japon. Gagaku. Etenraku. Ono Gagaku Kaï Society, intérpretes. Ocora (1987)
Pipa: “White Snow in Spring”, performed by Wu Man. YouTube Vídeo. Publicado por The Met, 1 de agosto de 2016: https://www.youtube.com/watch?v=ksiM1wRcutQ
Cameroon. Baka Pygmy Music. Hut Song. Grabaciones de campo de Patrick Renaud y Simha Arom. Auvidis (1990)
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Selección bibliográfica
AROM, Simha, African Polyphony and Polyrhythm: Musical Structure and Methodology. Cambridge University Press, 2004
BRANDILY, Monique, Introduction aux musiques africaines. Actes sud, 1997
COOKE, Mervyn, “Britten and the Shō”. The Musical Times, vol. 129, n.º 1743 (1988), pp. 231-233*
DEMOLIN, Didier, “Les Rêveurs de la forêt: Polyphonies des Pygmées Efe de l’Ituri (Zaïre).” Cahiers de Musiques Traditionnelles, vol. 6 (1993), pp. 139-151*
FELD, Steven, “Pygmy POP. A Genealogy of Schizophonic Mimesis”. Yearbook for Traditional Music, vol. 28 (1996), pp. 1-35*
FÜRNISS, Susanne, “La Technique du jodel chez les pygmées aka (Centrafrique). Étude phonétique et acoustique”. Cahiers de Musiques Traditionnelles, vol. 4 (1991), pp. 167-187*
—, “The Adoption of the Circumcision Ritual Bèkà by the Baka-Pygmies in Southeast Cameroon”. African Music, vol. 8, n.º 2 (2008), pp. 92-113*
GARFIAS, Robert, “Gradual Modifications of the Gagaku Tradition”. Ethnomusicology, vol. 4, n.º 1 (1960), pp. 16-19*
GRAUER, Victor A., “Concept, Style, and Structure in the Music of the African Pygmies and Bushmen: A Study in Cross-Cultural Analysis”. Ethnomusicology, vol. 53, n.º 3 (2009), pp. 396-424*
HARRISON, LeRon James, “‘Gagaku’ in Place and Practice: A Philosophical Inquiry into the Place of Japanese Imperial Court Music in Contemporary Culture”. Asian Music, vol. 48, n.º 1 (2017), pp. 4-27*
HUI, Yu y Jonathan P.J. Stock (eds.), The Oxford Handbook of Music in China and the Chinese Diaspora. Oxford University Press, 2023
IRLANDINI, Luigi Antonio, “Messiaen’s ‘Gagaku’”. Perspectives of New Music, vol. 48, n.º 2 (2010), pp. 193-207*
JINGFANG, Yuan (ed.), Comprehensive Introduction to Chinese Traditional Music. Hollitzer Wissenschafts V, 2023
JONES, Stephen, “Source and Stream: Early Music and Living Traditions in China”. Early Music, vol. 24, n.º 3 (1996), pp. 375-388*
KEISTER, Jay, “The Shakuhachi as Spiritual Tool: A Japanese Buddhist Instrument in the West”. Asian Music, vol. 35, n.º 2 (2004), pp. 99-131*
KISLIUK, Michelle Robin, Seize the Dance!: Baaka Musical Life and the Ethnography of Performance. Oxford University Press, 1998
KOUWENHOVEN, Frank, “Meaning and Structure: The Case of Chinese Qin (Zither) Music”. British Journal of Ethnomusicology, vol. 10, n.º 1 (2001), pp. 39-62*
KUBIK, Gerhard (ed.), Theory of African Music. University of Chicago Press, 2010
LANCASHIRE, Terence, “World Music or Japanese - The Gagaku of Tôgi Hideki”. Popular Music, vol. 22, n.º 1 (2003), pp. 21-39*
LEPENDORF, Jeffrey, “Contemporary Notation for the Shakuhachi: A Primer for Composers”. Perspectives of New Music, vol. 27, n.º 2 (1989), pp. 232-251*
MALM, William P., “Chinese Music in the Edo and Meiji Periods in Japan”. Asian Music, vol. 6, n.º 1/2 (1975), pp. 147-172*
—, Culturas musicales del Pacífico, el Cercano Oriente y Asia. Alianza, 1985
—, Japanese Music and Musical Instruments. Tuttle Publishing, 1989
MYERS, John, The Way of the Pipa: Structure and Imagery in Chinese Lute Music. Kent State University Press, 1992
ROUGET, Gilbert, Ethnographie Musicale: Afrique Noire, Malgache (Musique), Pygmées (Musique Des), Ethnomusicologie. Fasquelle, 1961
—, “Musical efficacy: musicking to survive—the case of the pygmies”. Yearbook for Traditional Music, vol. 43 (2011), pp. 89-121*
SCHAEFFNER, André, The origin of musical instruments: an ethnological introduction to the history of instrumental music. Editado y traducido por Rachelle Taylor, Ariadne Lih y Emelyn Lih. Routledge, 2020*
SHEPPARD, W. Anthony, “Continuity in Composing the American Cross-Cultural: Eichheim, Cowell, and Japan”. Journal of the American Musicological Society, vol. 61, n.º 3 (2008), pp. 465-540*
YUNG, Bell, “An Audience of One: The Private Music of the Chinese Literati”. Ethnomusicology, vol. 61, n.º 3 (2017), pp. 506-539*
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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Su música, grandiosa y dramática, es consecuencia de su vida como refugiado y de la dramática división de Corea, su país natal. Su carrera internacional—con base en Alemania, donde vive con estatus de refugiado—es un grito a favor del arte y los derechos humanos.
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Has escuchado
Cello Concerto (1976). Luigi Piovano, violonchelo; Japan Philharmonic Orchestra; Tatsuya Shimono, director. Kairos (2022)
Exemplum in memoriam Kwangju (1981). Gwangju Symphony Orchestra; Seokwon Hong, director. Deutsche Grammophon (2022)
Fluktuationen (1964). Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks; Ernest Bour, director. Deutscher Musikrat (1983)
Glissées (1970). Siegfried Palm, violonchelo. Deutsche Grammophon (1975)
“Isang Yun: Symphony No. 1” (1983). Seoul Philharmonic Orchestra; Chi-Yong Chung, director. YouTube Vídeo. Publicado por hscherchen, 17 de septiembre de 2017: https://www.youtube.com/watch?v=9Mi6Lg3sK6Q
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Selección bibliográfica
AEISTER, Hanns-Werner y Walter-Wolfgang Sparrer, Der Komponist Isang Yun. Edition Text & Kritik, 1987
ALBÈRA, Philippe, “La Rencontre de Yun et Carter”. En: Le son et le sens: essais sur la musique de notre temps. Contrechamps, 2007*
BABCOCK, David, “Korean Composers in Profile”. Tempo, n.º 192 (1995), pp. 15-21*
CRAIG, Dale A., “Trans-Cultural Composition in the 20th Century”. Tempo, n.º 156 (1986), pp. 16-18*
KIM, Jeongmee, “Musical Syncretism in Isang Yun’s Gasa”. En: Locating East Asia in Western Art Music. Editado por Yayoi Uno Everett y Frederick Lau. Wesleyan University Press, 2004
SPARRER, Walter-Wolfgang, Isang Yun. Leben und Werk im Bild. Wolke Verlag, 2020
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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La Segunda Guerra Mundial es, sin ningún género de duda y con Darmstadt como prueba, el factor temporal determinante de la revolución vivida en la música de la segunda mitad de siglo. La música salvó a muchos, si no de la contienda, al menos de parte de sus traumáticas consecuencias.
_____Has escuchado
Autobiografía intelectual. Luis de Pablo. Entrevista realizada al compositor el 25 de marzo de 2010 en la Fundación Juan March: [Web]
Cuarteto de cuerda nº. 8 en do menor. Largo (1960) / Dmitri Shostakovich. Fitzwilliam String Quartet. Decca (1992)
Cuarteto n.º 3, op. 46 (1943) / Viktor Ullmann. Cuarteto Bennewitz. Grabación sonora realizada en directo en la sala de conciertos de la Fundación Juan March, el 3 de marzo de 2021. Dentro del ciclo “Terezín: componer bajo el terror. La música de cámara en Terezín”
“Tomás Marco habla sobre la “música confinada”. YouTube Vídeo. Publicado por Fundación BBVA, 27 de septiembre de 2022: https://www.youtube.com/watch?v=Q02yvqKCDEM
War Requiem (1962) / Benjamin Britten. Galina Vishnevskaya, soprano; Peter Pears, tenor; Dietrich Fischer-Dieskau, barítono; The Bach Choir & London Symphony Orchestra Chorus; London Symphony Orchestra; Benjamin Britten, director. Decca (1985)
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Selección bibliográfica
ARNOLD, Ben, “Music, Meaning, and War: The Titles of War Compositions”. International Review of the Aesthetics and Sociology of Music, vol. 22, n.º 1 (1991), pp. 19-28*
BOTSTEIN, Leon, “After Fifty Years: Thoughts on Music and the End of World War II”. The Musical Quarterly, vol. 79, n.º 2 (1995), pp. 225-230*
DINGLE, Christopher Philip (ed.), The Cambridge History of Music Criticism. Cambridge University Press, 2022*
FANNING, David (ed.), The Routledge Handbook to Music under German Occupation, 1938-1945: Propaganda, Myth and Reality. Routledge, 2020*
FUNDACIÓN JUAN MARCH, “Terezín: componer bajo el terror” [Programa de concierto]. Ciclo de miércoles 24 de febrero al 10 de marzo de 2021: [PDF]
GUILBAUT, Serge, Manuel J. Borja-Villel, Be-Bomb: The Transatlantic War of Images and All That Jazz, 1946-1956. Museu d’Art Contemporani de Barcelona; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2007*
HEILE, Björn, Charles Wilson, et al. (eds.), The Routledge Companion to Modernism in Music. Routledge, 2019*
JAROCINSKI, Stefan, “Polish Music after World War II”. The Musical Quarterly, vol. 51, n.º 1 (1965), pp. 244-258*
KRADER, Barbara, “Soviet Research on Russian Folk Music since World War II”. Ethnomusicology, vol. 7, n.º 3 (1963), pp. 252-261*
ORAMO, Ilkka, “Sibelius, Bartók, and the ‘Anxiety of Influence’ in Post World War II Finnish Music”. Studia Musicologica Academiae Scientiarum Hungaricae, vol. 47, n.º 3/4 (2006), pp. 467-479*
POTTER, Pamela M., “What Is ‘Nazi Music’?”. The Musical Quarterly, vol. 88, n.º 3 (2005), pp. 428-455*
ROGERS, Julian C., Resonant Recoveries: French Music and Trauma Between the World Wars. Oxford University Press, 2021*
ROSS, Alex, El ruido eterno. Seix Barral, 2009*
SCHWARZ, Boris, “Soviet Music since the Second World War”. The Musical Quarterly, vol. 51, n.º 1 (1965), pp. 259-281*
VYBORNY, Zdenek y William Lichtenwanger, “Czech Music Literature since World War II”. Notes, vol. 16, n.º 4 (1959), pp. 539-546*
WALLNER, Bo, “Scandinavian Music after the Second World War”. The Musical Quarterly, vol. 51, n.º 1 (1965), pp. 111-143*
*Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March
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