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L’art permet-il de trouver sa place ?
Né en 1926 à Antigua, île des Caraïbes colonisée par les Anglais dès le XVIIe siècle, Frank Walter est à la fois descendant de colon et d’esclave. Son œuvre riche et variée faite de peintures, de photos, de sculptures ou de poèmes, reflète son histoire, sa vie intérieure troublée et sa quête d’identité raciale. Agé de 27 ans, il se rend en Europe, la terre de ses ancêtres, où il se confronte frontalement au racisme de son oncle, bourgeois et blanc de peau. Ce rejet brutal génère en lui une réflexion obsessionnelle sur sa double identité, à la fois source de ses tourments et moteur de sa créativité. Sans jamais avoir suivi de cursus artistique, il peint, photographie, sculpte, écrit, en s’inspirant de son île, de ses origines, et de ses états psychiques. Tout croiser, interconnecter, c’est sans doute la spécificité de cet artiste en pleine désillusion sentimentale, artistique et identitaire, qui resta méconnu jusqu’à sa mort en 2009. Aujourd’hui reconnu et célébré dans le monde de l’art contemporain, il apparaît à certains comme un visionnaire, un génie dont la voix d’expression reflète tout un pan de la grande Histoire.
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Ça a commencé comme ça est un podcast co-produit par Binge Audio et Bourse de commerce – Pinault Collection. Écriture : Caroline Halazy. Incarnation et interprétation : Marie Papillon. Production et édition : Camille Khodor. Direction de projet : Soraya Kerchaoui-Matignon. Réalisation et mixage : Maxime Singer. Musique originale : Nicolas Olier. Identité graphique : Upian.
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Est-ce l’originalité qui fait l'œuvre d’art ? Et peut-on considérer le copieur comme un véritable artiste ?
La « copieuse » en question, c’est Elaine Sturtevant, une artiste conceptuelle américaine née dans le nord des Etats-Unis en 1924. Après des études de psychologie, Sturtevant se lance dans un travail de reproduction d'œuvres contemporaines. Elle s’intéresse aux fondateurs du Pop art : Robert Rauschenberg, Jasper Johns et, bien sûr, Andy Warhol. C’est au début des années 60 que sa carrière démarre véritablement, et ce de manière subversive. Elaine conçoit ce qu’elle nomme des « répliques », c’est-à-dire des reproductions quasi exactes, de mémoire, d'œuvres originales juste après leur présentation au public et en suivant les mêmes techniques artistiques. Parmi les plus connues figurent « Deux » de Jasper Johns, les « Flower Paintings » ou le diptyque de Marilyn d’Andy Warhol. Ce qui lui vaudra de nombreuses critiques et intimidations. Mais est-ce bien de l’art ? Pour Elaine, c’est toute la question. Son travail vise avant tout à interroger la notion d’originalité et de propriété artistique. En recopiant les gestes, elle cherche à prouver que l'œuvre ne dépend pas uniquement d’un style reconnaissable. Mais la réplique ne pouvant être parfaite, quel statut lui donner alors ?
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Ça a commencé comme ça est un podcast co-produit par Binge Audio et Bourse de commerce – Pinault Collection. Écriture : Caroline Halazy. Incarnation et interprétation : Marie Papillon. Production et édition : Camille Khodor. Direction de projet : Soraya Kerchaoui-Matignon. Réalisation et mixage : Maxime Singer. Musique originale : Nicolas Olier. Identité graphique : Upian.
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Faut-il forcément avoir une idée pour commencer une peinture ?
Agnès Martin est, selon ses propres mots, une artiste expressionniste abstraite tardive. Née au Canada en 1912, elle est particulièrement connue pour ses « grilles », des œuvres géométriques composées de traits horizontaux et verticaux capturant les sensations et les émotions les plus profondes de l’artiste.
Ces œuvres, dont Toundra (1967), représentent pour elle le véritable début de sa carrière mais marquent également un tournant psychologique. Sujette à des crises de schizophrénie et face à la responsabilité démesurée que représente la peinture, Agnès Martin n’a d’autre choix que de fuir loin, et de mettre son art entre parenthèses pendant 7 ans, au risque d’en mourir. C’est en 1974 qu’on la redécouvre alors, installée au Nouveau Mexique : sa palette s’illumine, les gris laissant place à des couleurs pastel. Sensible et intuitive, elle ne réfléchit jamais à un concept. Pour peindre, elle patiente et met en œuvre ce que l’inspiration lui dicte de faire. Elle laisse vivre ses tableaux et permet à l’émotion de prendre le pas sur l’intellect. Cette abstraction absolue reflète un principe même de son art : la beauté ne se trouve pas dans les choses matérielles, mais dans la tête de chacun.
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INA / Les prairies de l'Ouest. Visages du CanadaINA / Images et idées : émission du 26 novembre 1967 / RTF / ORTFTate / Agnès Martin 'Beauty is in Your Mind' - TateShotsCrédits :
Ça a commencé comme ça est un podcast co-produit par Binge Audio et Bourse de commerce – Pinault Collection. Écriture : Caroline Halazy. Incarnation et interprétation : Marie Papillon. Production et édition : Camille Khodor. Direction de projet : Soraya Kerchaoui-Matignon. Réalisation et mixage : Solène Moulin et Arthur Vignette. Musique originale : Nicolas Olier. Identité graphique : Upian.
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Comment l’art peut-il réanimer ce qui n’est plus ?
Rachel Whiteread est une sculptrice britannique née en 1963 dans l’Essex, dont le travail consiste à mouler les espaces vides à l’intérieur d’objets banals du quotidien. En manipulant ainsi les matières telles que le béton, la résine ou le métal, elle cherche à explorer la mémoire et l’absence des corps, offre un nouveau point de vue sur le monde, bousculant ainsi les perspectives. Parmi ses œuvres phares on trouve notamment « House » , un moulage en négatif d’une maison populaire vouée à être détruite et remplacée par un parc. Cette œuvre monumentale, tout comme le mémorial de l’Holocauste qu’elle conçoit à Vienne en 1996, suscite le débat, la polémique que ce soit sur la forme ou sur l’intention. Car « momifier l’air » n’a rien d’anodin, c’est aussi un geste politique ou mémoriel pour l’artiste, une façon de conserver les traces d’un passé destructeur ou de faire vivre une expérience émouvante et sensible.
Archives :
INA / Margaret Thatcher : les raisons de la chute / Titre de l'émission : A2 Le Journal 20HCentre Pompidou / Rachel Whiteread : 1994, destruction de "House"Crédits :
Ça a commencé comme ça est un podcast co-produit par Binge Audio et Bourse de commerce – Pinault Collection. Écriture : Caroline Halazy. Incarnation et interprétation : Marie Papillon. Production et édition : Camille Khodor. Direction de projet : Soraya Kerchaoui-Matignon. Réalisation et mixage : Solène Moulin et Arthur Vignette. Musique originale : Nicolas Olier. Identité graphique : Upian.
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Comment la mise en scène de soi peut-elle en dire plus sur le monde que sur nous-même ?
Cindy Sherman, née en 1954 dans les environs de New-York, est une artiste photographe conceptuelle.
Dans ses clichés, elle figure seule, met en scène son image et entre dans la peau d’une multitude de personnages, autant d'allégories de la société américaine.
L’origine de son inspiration c’est cet album photo éponyme « A Cindy’s Book » constitué alors qu’elle n’avait que 10 ans. On y retrouve des photos de sa famille et d’elle-même sous lesquelles elle a inscrit une phrase désormais symbolique de son art : « C’est moi. ». Puis naît l’idée de poser grimée et déguisée pour mieux parler des autres et du monde qui l’entoure. Cindy Sherman explore une multitude de rôles : du jeune Bacchus malade à une vieille sorcière, d’un businessman, mallette sur les genoux à une actrice d’un film nostalgique regard au loin sur un fond de tableau marin... Maquillage, perruques, prothèses, tout est bon pour moduler son apparence et incarner ses personnages. Parmi les thèmes qu’elle explore figurent la féminité, l’érotisme, le grotesque, le macabre et plus récemment la vieillesse, qui interrogent sa démarche artistique. Ses œuvres sont d’une cohérence rare, traversées par une profonde réflexion sur les aspects identitaires de notre société, bien que souvent teintées d’ironie. Alors, si ce n’est pas vraiment elle sur ses photos, est-ce vraiment nous ?
Sources :
Série I love Lucy - "The Best of I Love Lucy" - Season 3 - CompilationInterview de Robert Longo pour le MOMA, “Robert Longo on Cindy Sherman's Untitled Film Still #25”Crédits :
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Pourquoi l’art est-il considéré comme de l’art ? Et quelles symboliques se cachent derrière les objets et rituels du quotidien ?
Mike Kelley, né près de Détroit en 1954, est un artiste conceptuel qui s’inspira aussi bien de la culture populaire que de la psychanalyse pour explorer son vécu et la société américaine d'après-guerre. Frappé très jeune par le pouvoir de la musique live d'Iggy Pop and the Stooges, il rejoindra le mouvement noise music et dédiera sa carrière aux “happenings” et performances scéniques, mais aussi aux installations, sculptures issues d'objets du quotidien et autres pièces "do it yourself". Dans chacune de ses œuvres se retrouvent une appétence particulière pour le malaise et le trash. A travers sa carrière, cet artiste n’aura de cesse de distordre la réalité pour révéler le sens des objets et déconstruire les rites et tout ce que nous prenons pour acquis. Il interroge les émotions associées à l’enfance (voir Half a Man) ou encore les années lycées (Day is done) en se jouant des contrastes et en associant des éléments disparates, jusqu'à la subversion. En effet, Mike Kelley, qui n'a jamais caché ses tendances dépressives, décrivait l’art comme le moyen qui lui a permis de “domestiquer sa rebellion”, au risque sinon de se transformer en véritable bête sauvage...
Sources :
The Stooges: Live at Goose Lake: August 8th, 1970 Iggy & the Stooges, Louie Louie Live, Michigan Palace, 9 février 1974Archive INA : Chômage aux USA, crise à Motor City Archive INA : Lumières d'août : émission du 24 août 2006Plato's Cave, Rothko's Chapel, Lincoln's Profile, Mike Kelly et Sonic YouthÇa a commencé comme ça est un podcast co-produit par Binge Audio et Bourse de commerce – Pinault Collection. Écriture : Caroline Halazy. Incarnation et interprétation : Marie Papillon. Production et édition : Camille Khodor et Aure Meyer. Direction de projet : Soraya Kerchaoui-Matignon. Réalisation et mixage : Maxime Singer. Musique originale : Nicolas Olier. Identité graphique : Upian.
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L’architecture contemporaine peut-elle nous faire trembler de joie ? Dans son travail, devenu un art, Tadao Andō réconcilie ce que l’on croyait inconciliable : le béton et la lumière, le passé et le présent, le bouillonnement de la modernité et la terre. Né dans le Osaka troublé des années 1940, ce grand voyageur entretient une relation spirituelle au monde. Il conçoit des maisons, des églises, des musées qui protègent les hommes et les œuvres, tout en les connectant à la nature. Un mur en béton pour lui, ce n’est pas une barrière, mais bien le matériau d’une architecture hospitalière.
Ça a commencé comme ça est un podcast co-produit par Binge Audio et la Bourse de commerce – Pinault Collection. Écriture : Caroline Halazy. Incarnation et interprétation : Panayotis Pascot. Réalisation et mixage : Maxime Singer. Musique originale : Nicolas Olier. Identité graphique : Upian. ÉQUIPE BINGE AUDIO : Production et édition : Albane Fily. Direction de projet : Soraya Kerchaoui-Matignon. ÉQUIPE BOURSE DE COMMERCE - PINAULT COLLECTION : Stéphanie Hussonnois-Bouhayati, Clémence Laurent de Cassini, Cyrus Goberville, Louise Guerrin.
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Y a-t-il plus grand mystère que le temps et ses œuvres ? Celles de Tacita Dean saisissent le passage du temps, lancent une invitation à l’incertitude, au hasard… A la dématérialisation des images, à leur consommation frénétique dans des formats toujours plus rapides et plus étroits, l’artiste répond par la lenteur, par l’œuvre de la main, en réinvestissant, avec une patience appliquée, une laborieuse minutie, la matérialité de la peinture, de la photographie, du film. Attirée par les limites de la Terre – « ces endroits, on n’est pas lié par les règles du temps humain, ( …) dans la brume du temps météorologique et des confins », Tacita Dean -comme elle le dit elle-même- « peut imaginer les millénaires, la préhistoire et voir le futur. ». L’artiste révèle ainsi le caractère vénérable et vulnérable de la nature avec la force et la tension qu’aucune image d’actualité ne saurait contenir.
Addendum : Tacita Dean réalise ses films en pellicule uniquement. Le médium argentique en 16 et 35 mm est au cœur de son travail.
Ça a commencé comme ça est un podcast co-produit par Binge Audio et la Bourse de commerce – Pinault Collection. Écriture : Caroline Halazy. Incarnation et interprétation : Panayotis Pascot. Réalisation et mixage : Maxime Singer. Musique originale : Nicolas Olier. Identité graphique : Upian. ÉQUIPE BINGE AUDIO : Production et édition : Albane Fily. Direction de projet : Soraya Kerchaoui-Matignon. ÉQUIPE BOURSE DE COMMERCE - PINAULT COLLECTION : Stéphanie Hussonnois-Bouhayati, Clémence Laurent de Cassini, Cyrus Goberville, Louise Guerrin.
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Deux hommes qui ne font qu’un seul et même artiste, deux corps devenus sculptures vivantes, un même appétit pour les habitudes, un même goût de la provocation : les emblématiques Gilbert & Georges sont indissociables et inclassables dans le paysage de l’art contemporain depuis plus de 50 ans. Ne vous fiez pas à leur allure de gentlemen, tirés à quatre épingles : cette apparence soignée cache un esprit des plus subversifs jusque dans les moindres gestes du quotidien...
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Ça a commencé comme ça est un podcast co-produit par Binge Audio et la Bourse de commerce – Pinault Collection. Écriture : Caroline Halazy. Incarnation et interprétation : Panayotis Pascot. Réalisation et mixage : Maxime Singer. Musique originale : Nicolas Olier. Identité graphique : Upian. ÉQUIPE BINGE AUDIO : Production et édition : Albane Fily. Direction de projet : Soraya Kerchaoui-Matignon. ÉQUIPE BOURSE DE COMMERCE - PINAULT COLLECTION : Stéphanie Hussonnois-Bouhayati, Clémence Laurent de Cassini, Cyrus Goberville, Louise Guerrin.
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Depuis ses débuts dans les années 1980, Robert Gober propose des œuvres toujours déroutantes. Elles puisent dans le banal des objets du quotidien, dans notre environnement le plus familier, mais affrontent et de renversent les codes et tabous de notre société. D’ailleurs, après avoir écouté l’histoire de Robert Gober, difficile de voir votre évier comme avant…
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Pierre Huyghe décide très tôt de tracer sa propre route artistique. Il ne cesse de réinventer les moyens de création et les modalités de présentation de ses œuvres, remettant en jeu les codes traditionnels de l’exposition. « Il s'agit d'exposer quelque chose à quelqu'un, plutôt que quelqu'un à quelque chose » dit-il très bien lui-même… Son œuvre oscille entre fiction et production de réel, entre érudition et pop culture, du biologique à l’objet, de la science à la science-fiction, de la musique au cinéma, de l’architecture à la littérature, de l’archéologie à la philosophie. Partout, Huyghe cherche l’humain, jusqu’en des lieux désertés de sa présence, jusqu’aux limites de ce qui est autre, animal, végétal, fantôme…
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Tout désacraliser même son geste, même sa signature… Quel artiste ferait une chose pareille ? Rudolf Stingel. Artiste peintre et artiste conceptuel à la fois, de l’hyperréalisme à l’abstraction, Stingel cherche partout ce que peindre veut dire. Un tableau joue une photographie, un tapis grimpe au mur, change d’échelle, une œuvre se laisse dégrader par les visiteurs, une peinture abstraite devient DIY… Rudolf Stingel manie la provocation, invite les médiums à se télescoper, hypertrophie le petit et amoindrit le grand, allant jusqu’à livrer toutes ses recettes.
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Se confronter aux lois du temps, de l'espace, c’est le défi que se lance Dominique Gonzalez-Foerster, dite DGF. Depuis la fin des années 1990, l‘artiste nourrit son œuvre de cinéma, de lectures, de musique, de mode, d’air du temps et d’histoire de l’art. Tout se mêle dans des installations où la dimension performative n’est jamais loin, où l’exposition fait œuvre ! Plasticienne autant que performeuse, DGF choisit de placer le visiteur au cœur de l’œuvre et nous invente des « apparitions », des images -fantômes, qui donnent corps à un entremonde, où même à distance, l’art et la vie, le réel et l’imaginaire peuvent, pour un temps, cohabiter. Bienvenu·es dans cette « Chambre » de Dominique Gonzalez-Foerster, où se brouillent les frontières entre fiction et réalité et où se rejouent des moments artistiques intenses.
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Roni Horn ne s’est jamais quittée. Roni Horn naît à New York, en 1955. Elle choisira à l’adolescence le prénom Roni, un prénom qui ne révèle aucune identité. Très tôt, elle tient le monde à distance ou plutôt se tient à distance du monde. Une vraie méthode de travail pour tenter de saisir l’insaisissable, l‘inqualifiable : le passage du temps, la mutabilité de toute chose, la fluidité des identités. Artiste de tous les médiums, elle écrit, sculpte, dessine, photographie, peint… avec un thème de prédilection : l’eau, les états de la matière, les états de l’être. Des bouillons noirs de la Tamise aux glaces de l’Islande en passant par le regard d’Isabelle Huppert, son œuvre inclassable présente un miroir formant et déformant de soi et du monde.
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Le dernier bonbon. Felix González-Torres nait à Cuba en 1957, 2 ans avant l’arrivée au pouvoir de Fidel Castro. Il s’installe à New York à l’âge de 22 ans, et se passionne rapidement pour l’art et la philosophie. Dans les années 1980, il intègre Group material, un groupe d’artistes qui s’élèvent contre la marchandisation de l’art. La mort de son compagnon, atteint du sida, et bientôt sa maladie marqueront profondément son œuvre. Son travail sur la disparition et le deuil, son combat contre le virus, font de Felix González-Torres un artiste radical, engagé, disparu en 1996.
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The girl in the band. Kim Gordon naît à Los Angeles, en 1953. Après ses études d’art, elle quitte la Californie pour s’installer à New York. Dans les années 1980, Big Apple est le creuset de l’avant-garde artistique. Happée par la no wave, un courant artistique apparu en 1977 dans le quartier du Lower East Side. L’expression mucicale de ce mouvement est ouverte à la dissonance et au bruitiste. Dans ce contexte, Kim Gordon est frappée par sa rencontre avec un guitariste passionné, Thurston Moore. Elle devient bassiste du groupe qu’il forment, Sonic Youth, devenu culte. Ensemble, ils poussent plus loin la déstructuration, la décomplexion musicale. Pour Sonic Youth, la musique, c’est aussi du bruit ! Membre d’un groupe de rock alternatif, Kim Gordon est aussi une artiste visuelle, et bientôt l’icône d’une génération, qui ne veut plaire à personne.
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Comment vivre au cœur d’un pays qui se déchire ? En 1972, quand elles se rencontrent au Liban, Etel Adnan est poétesse et journaliste, Simone Fattal est artiste et critique d’art. Ensemble, elles vont devoir affronter la guerre et l’exil. De cette expérience et de leur union naîtra la majeure partie de leur pratique artistique. Le 14 novembre 2021 à Paris, Etel Adnan s’est éteinte à l’âge de 96 ans. Elle avait prédit : « Le jour où je ne serai plus là, l’univers aura perdu une amie ».
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“Le mot artiste est trop limité”. Dès l’âge de 18 ans, Martin Kippenberger quitte le domicile familial et expérimente la vie nocturne, les voyages, la sexualité, la drogue. Sa vie personnelle et sa vie d’artiste vont dès lors être intimement liées : Martin s’investit de tout son être dans toutes les œuvres qu’il crée. Des livres, des posters, des photographies, des installations, des peintures, des dessins ou des sculptures… l’énergie de Kippenberger semble aussi inépuisable que chaotique. Il restera toujours insaisissable, “trash” pour certain.es, et génie pour d’autres.
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Ann Lee est une jeune fille aux cheveux violets et aux yeux vides, un personnage de manga, une héroïne sans qualités particulières, qui prend vie en 1999, lorsqu’elle est achetée par deux artistes français : Pierre Huygue et Philippe Parreno. Sa vie virtuelle sera courte, mais intense : 20 artistes lui construiront de multiples existences et incarnations, jusqu’à réactiver son fantôme. Cette œuvre collective, jouant sur le réel et la fiction érige Ann Lee en muse moderne.
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“Les idées sont les choses les plus fortes dans ce monde”. Pour Lee Lozano, née Lenore Knaster en 1930, impossible de vivre le destin traditionnel des femmes de la classe moyenne de son époque. L’indignation suscitée par la domination masculine fait rapidement d’elle une figure artistique mais aussi politique. Après des peintures provocantes représentant phallus et autres vulves, elle inaugure le début de l’art conceptuel en allant jusqu’à boycotter les femmes. Pourquoi, comment, et pendant combien de temps…?
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