Avsnitt
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Dans cet épisode je te présente une méthode très efficace pour travailler sur ton instrument de musique basée sur les neurosciences qui n’est pas du tout connue et qui pourrait te faire faire beaucoup de progrès et gagner pas mal de temps !
Je l'ai découverte auprès de Gregg Goodhart dans un programme en ligne américain "Musical super learning".
Elle va te permettre d'apprendre en profondeur tes morceaux de musique, plus rapidement, de ne plus faire toujours les même erreurs (aux mêmes endroits) et de dépasser certaines difficultés techniques.
Je t'annonce également la fin de cette 2ème saison et ma décision de créer une chaine youtube dans la continuité de ce podcast avec comme objectif de présenter de façon plus concrète tous les outils dont j'ai parlé ici au fil des épisodes et de faire des tutoriels avec le format vidéo.
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On pense généralement ce qui était mon cas, que la maîtrise de l'improvisation est difficile, exigeante et plutôt réservée aux musiciens qui ont déjà un bon niveau.
Le problème est qu'elle est habituellement associée au jazz, discipline qui demande effectivement un très bon bagage musical.
Lorsque que j'ai découvert cette méthode américaine "Improvise for real" dont j'ai déjà parlé dans l'épisode 21, j'ai réalisé que nous faisions totalement fausse route.
L'improvisation est en fait accessible à tous les musiciens quel que soit leur niveau, et au contraire, elle devrait être enseignée à tous les élèves dès leurs premiers pas en musique parce qu'elle pourrait vraiment les aider à plusieurs niveaux dans leur apprentissage, à développer leur oreille, leur musicalité, une meilleure compréhension de la musique et leur créativité.
Camille Houdart
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Saknas det avsnitt?
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Elle m'accompagne chaque semaine dans ce podcast, elle est accessible à tous, à tous moments, elle est gratuite et en plus elle peut nous permettre de très beaux progrès en musique ce dont on a rarement conscience : c'est notre voix chantée.
Elle méritait c'est sûr que je lui consacre enfin un épisode !
Notre voix est en effet notre premier instrument de musique universel et totalement naturel. C'est également souvent notre premier lien avec la musique lorsque nos parents nous chantent des berceuses, des comptines, ...
Et on ne se rend pas compte à quel point elle peut nous aider dans notre apprentissage pour développer notre oreille musicale, une meilleure compréhension de la musique, notre musicalité et même nous aider à improviser ou créer notre propre musique.
Elle est en tout cas devenue un des mes "outils" favoris.
En Hongrie, la musique est d'ailleurs enseignée dans toutes les écoles publiques, dès la maternelle avec une pédagogie (la pédagogie Kodaly) qui est principalement basée sur le chant et qui offre de très bons résultats, bien loin de nos cours de flûte à bec au collège, pour ceux qui y ont eu droit !
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Le jazz, l'improvisation sont des diciplines qui sont généralement réservées aux musiciens qui ont déjà un bon bagage musical, et une bonne maîtrise de leur instrument.
Effectivement, pour avoir fait du jazz pendant deux ans, une fois passé le plaisir de faire mes premiers chorus, je me suis vite rendue compte de mes limites qui pour être dépassées me demandaient un travail considérable avec des méthodes que je trouvais laborieuses basées sur la répétition de motifs mélodiques dans toutes les tonalités ... 😕
J'ai fini par me décourager, me disant que je n'avais pas encore le niveau, mais avec cet espoir d'y revenir un jour.
Entre temps j'ai cherché des méthodes différentes, plus efficaces.
J'ai trouvé des outils très intéressants dont j'ai déjà parlé dans ce podcast comme la solmisation (épisode 6) et le pas O'Passo (épisode 14).
Mais là, très recemment je suis tombée sur une méthode américaine (Improvise for real) qui non seulement est destinée aux musiciens débutants mais est également totalement alignée avec tout ce que je partage dans ce podcast. J'ai un peu ce sentiment d'avoir enfin trouvé la pièce de puzzle qui me manquait pour apprendre et maîtriser enfin l'improvisation et le jazz 😀!!!
https://improviseforreal.com/
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Quand on apprend la musique, je suis absolument convaincue que notre état d'esprit plus ou moins positif aura une influence très importante sur notre progression.
Il y a deux ans j'ai été accompagnée pendant 6 mois par une coach qui m'a justement aidée dans une période difficile à remettre un peu plus de joie, de légerté et de positivité dans ma vie.
Et elle m'a transmis cette petite formule magique :
"J'ai l'intention de ..."
Pour te montrer à quel point elle est efficace je te raconte dans cet épisode comment elle m'a
permis de sauver mes vacances en Corse cet été qui avaient pourtant très mal commencé et comment je l'utilise également dans ma pratique de la musique.Pour me contacter ou me retrouver sur les réseaux sociaux :
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On pense généralement que la meilleure façon d'avancer en musique est de répéter le plus souvent possible, et que nos progrès vont être proportionnels à nos temps de pratique.
C'était une de mes croyances, mais j'ai réalisé qu'elle avait ses limites.
Le problème est que l'apprentissage de la musique demande une maitrise de nombreuses compétences (rythme, oreille, lecture, technique instrumentale, musicalité, écoute, harmonie... ) et il est illusoire ou en tout cas peu efficace de les travailler juste sur notre instrument. Et lorsque l'une d'elle (un problème de rythme, d'oreille, de lecture, ou autre) nous fait défaut cela risque de fortement ralentir nos progrès et peut même nous bloquer.
C'est un peu comme si on était en train de construire une maison sans fondations solides. Au fur et à mesure on va voir apparaitre des fissures, des difficultés en tout genre qui vont nous faire perdre beaucoup de temps et d'énergie.
Je crois qu'il est vraiment indispensable si l'on veut progresser de façon régulière en évitant de s'épuiser inutilement, quel que soit notre niveau, de prendre le temps d'acquérir et développer des bases, des fondations solides indépendamment de notre pratique instrumentale et en utilisant des méthodes et des outils efficaces !
C'est j'en suis convaincue la meilleur façon d'avancer plus rapidement, de gagner du temps, de l'énergie et qui nous permettra de devenir un musicien plus complet.
Pour participer aux ateliers que j'organise en Corrèze :
http://bit.ly/rythmeetchant
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Quand je discute avec des connaissances, des amis, je réalise à quel point nous sommes très nombreux à avoir des expériences négatives, des blocages venant souvent de notre enfance, liés à l'apprentissage de la musique : trop de pression lors des examens et auditions, ennui manque de motivation en cours de solfège, difficultés rythmiques, blocage lié au chant, décrochage, manque de motivation ...
Le problème vient, j'en suis convaincu d'un enseignement qui trop souvent, même si cela tend à évoluer doucement, n'est pas adapté à tout le monde et va privilégier les élèves les plus scolaires et/ou motivés.
Et par conséquence cela va malheureusement être la source de nombreux abandons, blocages et de ce fait de croyances limitantes telles que :
"la musique c'est difficile, c'est contraignant, cela demande de la discipline, c'est sérieux, ..."
Pourtant il existe des méthodes différentes, plus ludiques, plus actives, plus accessibles, comme par exemple la pédagogie Kodaly et la méthode O'passo dont je parle si souvent dans ce podcast et qui pourraient nous réconcilier avec l'apprentissage de la musique en France et mériteraient d'être bien plus connues.
Pour découvrir cette autre façon d'apprendre la musique, j'organise une série de 3 ateliers à la journée en Corrèze. Pour en savoir plus :
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Dans l'enseignement classique de la musique, on nous apprend plutôt à ne pas trop bouger à ne pas taper du pied et à essayer d'intérioriser la pulsation, le rythme, ... quand on joue.
Pour moi qui ai fait pas mal de danse, c'était très difficile à appliquer, j'avais un besoin de ressentir, de vivre la musique à travers mon corps tout en m'exprimant sur mon instrument.
Alors quand j’ai découvert les pédagogies actives, Kodaly, O’Passo, quel soulagement de voir que finalement, notre corps en mouvement, notre voix pouvaient de façon très efficaces, avec des résultats assez impressionnants nous faciliter nos apprentissages et même en solfège et qu’il était dommage de ne pas s’en servir à condition de le faire évidemment de la bonne façon.
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Je réalise depuis peu de temps à quel point l’apprentissage de la musique, dans la plupart des structures d’enseignement classiques, est scolaire, l’objectif étant de faire de nous de bon interprètes, mais absolument pas des musiciens complets capable de créer, de composer, d’arranger une musique et d’improviser. C’est comme si on était juste capable de lire un texte avec des émotions certes, avec le ton, de l’écrire, mais qu’on n’apprenait pas à rédiger nos propres textes ou même juste à nous exprimer de façon spontanée.
C’est aussi comme si un peintre ne faisait que reproduire d’autres oeuvres sans créer les siennes.
Et si on s’autorisait un peu plus de créativité dans notre apprentissage et notre pratique de la musique ? Et si on s’autorisait un peu plus à jouer avec les notes, les rythmes, à improviser, à composer des petites mélodies à arranger des morceaux, … ?
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Alors que les réseaux sociaux, internet regorgent de conseils en développement personnel, pour être soi-même, s’affirmer, affronter ses peurs, oser parler en public … je réalise qu’il n’y a pas grand chose spécifiquement sur le trac du musicien ou l’anxiété de performance … en tout cas rien qui ne m’ait personnellement vraiment aidée et apporté de solution efficace.
Et pourtant c’est un mal qui touche nombreux musiciens que je connais très bien pour l’avoir vécu de nombreuses fois qui peut être vraiment difficile à vivre ou point pour certain d’avoir recours à des médicaments, voir de l’alcool, ou autre, et qui est aussi souvent la cause de nombreux abandons en musique. Combien de fois ai-je entendu : "j’avais du talent, j’aimais jouer de la musique mais je ne supportais pas la pression lors des auditions, des concert alors j’ai tout arrêté "
Dans cet épisode je ne vais pas te donner de solution miracle, mais te faire découvrir à travers la “théorie polyvagale” une façon différente de voir, de comprendre le trac et donc de l’apprivoiser. Parce que cette peur n’est en fait rien d’autre qu’un messager, un signal inconscient de notre système nerveux autonome qui veut juste nous protéger d'un potentiel danger.
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C'est un épisode que j’aurais tellement aimé écouter dans mes débuts en jazz et en improvisation et qui m'aurait fait gagner beaucoup de temps !
J’avais alors deux défauts, deux difficultés, le premier était, lors de mes improvisations basées sur une grille d’accords, de me perdre dans la structure du morceau :
Je n’arrivais ni à ressentir les mesures à 4 temps, ni les cycles de 4, 8, 12 mesures, ni à entendre les changements d’accords. J’étais tellement concentrée sur ma mélodie que j’en oubliais le reste …
Mon deuxième défaut, dont j’ai vraiment pris conscience plus récemment, était de construire des improvisations basées surtout sur les notes, et pas assez sur le rythme.
Or on ne cessait de me dire qu’avec juste 3 notes, il est possible de faire de magnifiques chorus en mettant justement plus de rythme. Mais je n’y arrivais pas vraiment…
Je me suis finalement découragée et j’ai décidé d’abandonner l’atelier jazz que je suivais … c’était il y a 3-4 ans. 😔
Et puis l’année dernière j’ai commencé à suivre des stages O’passo (méthode brésilienne pour apprendre la musique et surtout le rythme basée sur le corps, le ressenti le mouvement).
Et là j’ai compris que j’avais enfin trouvé une méthode qui allait résoudre mes deux difficultés, et même bien mieux, atteindre des niveaux en rythme dont je n’osais même pas rêver 🤩.
Pour en savoir plus sur la méthode O'Passo : https://www.institutodopasso-fr.org
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Et c’est reparti pour une deuxième saison d’A’croche toi 🎶!
Quand on commence à apprendre la musique, et même après plusieurs années, ce n'est pas évident d'affirmer avec assurance :
" Je suis musicien ou musicienne",
"Je suis clarinettiste, je suis pianiste" ...
On a plutôt tendance, ce qui était mon cas à se considérer comme un futur musicien en devenir qui a encore un loooooooong chemin à parcourir.
On s'entraine, on travaille, on pratique de longues heures avec discipline dans l'espoir de progresser, d'avoir une meilleure maitrise du rythme, des accords, une meilleure oreille, une meilleure technique, de réussir des examens, etc. ce qui est très bien, mais ...
Mais je crois bien qu'on oublie le plus important, une chose qu'on ne nous enseigne pas ou que très rarement dans les écoles de musique et conservatoires, et dont je commence à vraiment prendre conscience et plus particulièrement depuis que j'ai fait la rencontre la semaine dernière de Karine : une talentueuse musicienne, chanteuse qui compose, écrit produit sa musique, qui s'est fait connaitre il y a une quinzaine d'années avec son ancien groupe marseillais Watcha clan, qui aujourd'hui est connue sous le nom de Siska (cf liens ci-dessous) et qui m'a avoué n'avoir absolument aucune formation musicale !
Et pourtant c'est une incroyable musicienne et artiste😍 !!!
Mais c'est quoi son secret ???
Sinon petite nouveauté dans cette 2ème saison : en fin d'épisode, chaque semaine, je souhaite te proposer un exercice pratique, facile basé sur le chant, l’improvisation ou l’écoute, pour entrainer ton oreille, mon objectif étant de t’emmener en exploration de la gamme majeure : do ré mi fa sol la si do
Bonne écoute !
Watcha clan : https://www.youtube.com/watchaclan13
Siska : https://www.youtube.com/siskasound
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C'est le dernier épisode de cette première saison !
Je propose de faire une petite analyse (structure, notes, rythme) d'une magnifique chanson 😉 (Ragotin qui a bu trop de vin 🍷, et qui branle, qui branle🤣 ) tirée d’un livre que j’ai reçu de ma grand-mère maternelle, pour mes 5 ans !
Et bien entendu, pour le faire, on va reprendre tous les outils Kodaly et O’Passo dont j’ai parlé au fil de cette saison :
la solmisation (épisodes 2, 6 et 7) le pas O’Passo (épisode 10) les syllabes rythmiques (épisodes 7 et 11)On se retrouve donc pour une nouvelle saison le 27 février (dans 4 semaines) dans laquelle nous allons entre autre, au fil des épisodes, partir en exploration pas à pas de la gamme majeur par des exercices associant chant, improvisation, écoute, reconnaissances de notes, d'intervalles, d'accords, ...
Alors à très bientôt !!!
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En France, généralement, dans les écoles de musique, les conservatoires, l'apprentissage du rythme, passe d'abord par la lecture à voix haute sur partition, puis l'écoute et l'écriture lors des dictées rythmiques 🙄.
Au contraire, dans les classes de musique Kodaly, avant d'intellectualiser les rythmes, avant la lecture, avant l'écriture on commence simplement par vivre une expérience avec l'apprentissage de chansons auxquels sont associés des jeux, des gestes, des percussions corporelles, ...
Les élèves font ainsi dans un premier temps l'expérience de la pulsation, et dans un deuxième temps celle du rythme qui correspond tout simplement aux syllabes des chansons.
Puis ils sont amenés à découvrir par eux-même les différents rythmes (noires, croches, ...) en repérant juste le nombre de syllabes pour chaque pulsation et également grâce à un outil très efficace : les syllabes rythmiques !
En écoutant cet épisode, tu vas donc découvrir, grâce aux syllabes rythmiques, une méthode pour reconnaître, identifier d'oreille et mémoriser facilement des rythmes. Cela te permettra non seulement de mieux les apprendre mais aussi d’être capable de retranscrire plus facilement une mélodie, que ce soit une de tes créations ou juste une musique que tu aimerais jouer dont tu voudrais garder une trace écrite et dont tu n’as pas de partition.
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Avant les notes, avant la mélodie, avant les accords, ... à la base de la musique, il y a le rythme.
Et si le rythme n'est pas maitrisé, peut-on vraiment parler de musique 🙄, cette musique qui nous donne envie de danser💃 de bouger, qui swing, qui groove, ...?
Et malheureusement c'est bien le rythme qui nous pose souvent le plus de difficultés dans notre apprentissage, n'est-ce pas ?
On manque bien souvent de précision, surtout sur des rythmes plus complexes, on peut ne pas être en place, se décaler, ne pas respecter le tempo, accélerer, ralentir ...
Dans cet épisode je parle justement de mes difficultés passées avec le rythme, puis de ma découverte récente de la méthode O'Passo😍, créée dans les années 1990 par le brésilien Lucas Ciavatta (au pays de la Samba) et qui a tout changé !
Cette méthode, basée sur le mouvement, le corps, le ressenti, très efficace, accessible à tous y compris les non musiciens m'a permis de développer une perception, une compréhesion et une maîtrise beaucoup plus précises et fines du rythme.
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Qu’est-ce qui m’a fait le plus avancer dans la vie ? qu’est-ce qui m’a fait le plus progresser en musique ? Et bien quand j’y réfléchis, je crois que c’est vraiment à chaque fois que je me suis un peu poussée à faire des choses, à poser des actions qui à la fois m’attiraient mais me faisaient peur, et n’étaient pas du tout confortables. Plus c’était inconfortable, difficile, mais que j’avais cet élan à le faire, plus j’ai progressé et plus je me suis sentie après coup vivante, confiante joyeuse épanouie !
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8ème épisode !
Pas le plus facile à enregistrer …
Je suis en plein doutes, je prends encore tellement de temps à créer chaque épisode, je trouve encore difficile d’être naturelle, je vois trop de contrôle, je me demande même combien de temps je vais tenir à ce rythme, et j’ai même tendance à délaisser ma clarinette 😔…
Sauf que j’oublie de regarder d’où je viens, tout le chemin parcouru pour arriver à lancer ce podcast.
Ca a été une sacrée aventure dont je peux être plutôt fière, parce que ce n’était justement absolument pas gagné.
Dans cet épisode, je raconte tout mon cheminement, parsemé de doutes de peurs de croyances limitantes, ... pour réussir à lancer mon podcast (il m'a fallu 10 mois !) et qui a commencé en janvier dernier avec ma participation à un challenge organisé par Marco Bernard de l'académie du podcast.
A travers cette histoire, je veux t’inviter également à prendre un moment et te retourner, pour observer et reconnaître toutes tes avancées, tes réussites malgré les obstacles, tous ces moments où tu as osé, tous tes apprentissages que ce soit en musique, ou dans ta vie en général et à en être fièr afin de bien commencer l’année🍾avec un esprit positif et confiant !
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Dernier épisode de cette année 2022, le 7ème 😀!!!
Je l'ai enregistré en pensant à tous les parents de jeunes enfants et futurs parents (ou même grand-parents) … J’y délivre un message qui me tient vraiment à coeur ❤️et que j’aurais tellement aimé entendre lorsque mes enfants étaient plus petits.Si tu n’as pas de jeunes enfants je te conseille quand même d’écouter l’épisode, tu va découvrir ici une façon étonnamment simple et efficace d’acquérir de premières bases solides en musique.
Si tu en as ou que tu désire/vas en avoir, alors là, je veux t’expliquer que tu as vraiment un rôle à jouer dans leur éducation musicale, que tu es le ou la première à pouvoir leur transmettre la musique, et de façon très naturelle ... de la même manière que tu vas leur apprendre à parler. En en plus, si tu es débutant en musique ou juste avec quelques années de pratique, tu vas pouvoir en profiter en même temps pour progresser de ton côté !!!
Encore une fois, je l'ai compris en m'intéressant et me formant à la pédagogie Kodaly.
Oui, la meilleure façon de le faire, c'est de leur chanter au début des berceuses, puis des comptines, des chansons à gestes associées à du mouvement, des jeux pour que ce soit amusant ! 🙃
Ces comptines, ces chansons très simples sont en effet une véritable richesse pour s'initier à la musique et acquérir de premières bases (sens de la pulsation, rythme, oreille, intonation, phrasé, ...) de façon naturelle et ludique, que ce soit pour les enfants, mais aussi pour nous les adultes 😉!
Mais le plus important c’est qu’ils vont y prendre beaucoup de plaisir et toi aussi, parce qu’au final, notre première mission c’est de leur transmettre l’amour et le plaisir de la musique !
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Depuis mes débuts en clarinette, j'ai toujours rêvé de pouvoir jouer d'oreille spontanément avec d'autres musicien, improviser librement, créer dans l'instant dans le "flow" ...
Mais pour y arriver, cela demande déjà de développer une très bonne oreille 👂!
Et malheureusement cela faisait plutôt partie de mes points faibles. Malgré tous mes efforts, toute ma bonne volonté, je n'arrivais pas à progresser de façon satisfaisante, c'était tellement laborieux🙄!
Et puis un jour, il y a deux ans en commençant à m'intéresser et me former à la pédagogie Kodaly j'ai découvert un outil vraiment intéressant : la solmisation 😍.
Il a complètement changé ma façon d'apprendre la musique !!!
Non seulement il m'a permis de développer une bien meilleure oreille mélodique ou harmonique, mais aussi de mieux comprendre la musique, les relations entre les notes, les différents modes, la formation des accords, les modulations etc .
Dans cet épisode, tu vas découvrir ce qu'est la solmisation, comment je l'utilise dans ma pratique, en quoi elle m'est si bénéfique, et ce qu'elle pourrait t'apporter.
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C’est jamais très confortable de commencer quelque chose de nouveau, d’être débutant dans un domaine . Mais c’est également un état qui nous pousse à nous démener pour en sortir, où on est très ouvert, on a une soif d’apprendre, on est motivé et où on connait en général une rapide progression. Et si on décidait carrément quel que soit notre niveau, de cultiver cet état d’esprit du débutant, ouvert, curieux, motivé, qui n'a pas besoin de reconnaissance, qui n'a rien à perdre, rien à prouver, un peu comme celui d’un enfant qui apprend à marcher !
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